Uma Flauta doce's Encantos-Einer BlockFlöte's Verzauberungen-Une Flûte à bec de Enchantements-Flet Prosty z Uroków-Un Flaut de Farmecul-
A Recorder's Enchantments-Una Flauta Dulce de Encantos-БлокФлейта в Прелести-Egy Furulya Bájai-Een Blokfluit' s Charmes-En Blokkfløyte er Sjarm-Zobcová Flétna-En Blockflöjt Berlock
En Flöjt's Charm-μια φλάουτο του χαραγμένα-Un Flauto di Fascino-Huilun Lumoukset-Jedan Flauta Čari-
Without question this is the west's most charming instrument.That is say a great deal...because in a civilzation that has created lutes,viola d'amores,clarinets musettes,glass harmonicas,oboes,and concertinas...the recorder stands alone for it's ability to exert a musterious and enchanting spell upon the listener...from the very first note.More than any other instrument...it is tragic and comic...all at once.And for this reason...it is no wonder that the recorder has come back to life in the 20th century as new generations of musicians begin to devote their life's energies to exploration of the vast expressive universe that is... the recorder.
Erik Bosgraaf plays Jacob van Eyck
Flauta doce
Flauta doce
flauta doce ou flauta de bisel é um instrumento musical, mais precisamente um aerofone de aresta.
A origem deste instrumento está nos antigos instrumentos folclóricos que ainda podem ser encontrados em diversas partes da Europa hoje, como o Czakan na Hungria (6 furos) ou a flauta dupla da antiga Iugoslávia. Muitos destes instrumentos eram feitos de tubos de bambu ou cana naturais, enquanto a flauta doce era um instrumento torneado em madeira. Foi o instrumento musical mais popular na Idade Média. Ela produz um som melodioso. Como todo instrumento musical, para ser tocado é necessário estudos das técnicas. É o mais antigo dos instrumentos da família de tubo interno. Consiste em um tubo, com buracos para sete dedos e um buraco para o dedo polegar que serve como abertura de oitava. Talvez a ilustração mais antiga e incomparável seja a de uma flauta doce que está no "The Mocking of Jesus" (posterior a 1315), um afresco da Igreja de Staro Nagoricvino na Iugoslávia. Existem várias ilustrações de tubos parecidos que podem ou não serem flautas que antecedem este exemplar.
História
O instrumento mais antigo e completo sobrevivendo, é a chamada flauta doce de Dordrecht datada de meados do século XIII. Esta "flauta doce medieval" é caracterizada obviamente por seu corpo estreito e cilíndrico (o transcurso largo do tubo interno no meio do instrumento é responsável pela afinação e resposta sonora) A segunda flauta doce medieval mais ou menos completa e datando do século XIV foi reportado de Göttingen (norte da Alemanha) onde foi achada em uma latrina na Weender Straßer número 26 em 1987. A "flauta doce de Göttingen" faz parte da coleção do Stadtarchäologie Göttingen.
No século XV a flauta doce se desenvolveu e passou a ser chamada como a "flauta da renascença" que alcançou seu apogeu em meados do século XVI.
Durante o século XVII foi mais usada como instrumento solo. Antes era composta de uma ou duas partes, neste século ela já era formada por três partes. Sua feição permitia produzir som com mais intensidade e com mais possibilidade de expressão. Muitas dessas formas ainda existem nos dias de hoje em condições de uso. Assim a flauta foi sendo usada até se tornar um século XVIII profissionalmente, e como instrumento amador no século XIX, até que foi sendo quase que substituída pela flauta transversal.
A flauta doce alcançou seu espaço no Novo Mundo, a partir do momento em que os colonizadores perceberam que os índios utilizavam uma cana como instrumento que era assemelhada a flauta doce. A presença física de flautas doce na América do Norte foi documentada já em 1633 quando um inventário de uma plantação em New Hampshire listou 15 flautas doces, e um inventário semelhante feito em outra proprieda de New Hampshire informou a presença de 26 flautas doce (Música 1983; Pichierri 1960: 14).
Depois do surgimento da orquestra clássica, os compositores procuravam instrumentos com maiores recursos dinâmicos. Assim, começa o declínio da flauta doce perante a flauta transversal que já por volta de 1750 praticamente desaparecia do repertório de qualquer compositor. Assim a flauta doce ficou presente apenas na história dos instrumentos musicais. Somente no final do século XIX que alguns músicos começaram a ter contato com este instrumento novamente, através de pesquisa de músicas antigas, através de literaturas musicais existentes no museu. Como por exemplo Cristopher Welch (1832-1915) e Canon Francis Galpin. Galpin, além de estudar este instrumento, ensinou sua família a tocá-lo. Mas foi o inglês Arnold Dolmetsch (1858-1940) que concluiu que a flauta doce só renasceria se sua reconstrução recebesse mesmo tratamento dos demais instrumentos. O fruto de suas pesquisas o permitiu construir um quarteto de flautas e tocá-las com sua família em um concerto histórico no Festival Haslemere em 1926. Seu filho Carl se tornou um virtuoso no instrumento e elevou-o a um nível de alta interpretação. Esse conjunto de flautas feitos por Arnold Dolmetsch, foram copiadas e produzidas em série na Alemanha, onde se tornaram muito populares.
Tubos de bambu foram introduzidos em escolas dos E.U.A. nos anos 1920 e depois nas escolas da Grã-Bretanha, quando Hilda King, diretora de uma escola em Londres, começou a ensinar seus alunos em 1926. O "Grêmio de Flautistas de Bambu", fundado por Margaret James em 1932, foi patrocinado por Louise Hanson-Dyer na França, onde ela pôde promover compositores como Auric, Ibert, Milhaud, Roussel, Poulenc, Arthur Benjamin da Austrália e Margaret Sutherland, para escrever para este meio. Em 1935 Edgar Hunt introduzia o ensino de flauta doce nas escolas primárias inglesas, e em 1937 foi fundada a "Society of Recorder Player". Aos poucos a flauta doce ressurgia e os compositores começaram a escrever para o instrumento. Com o aumento do número de grandes intérpretes a flauta doce se tornou um instrumento de pesquisa e técnicas alternativas de execução.
Hoje em dia as flautas doces fabricadas possuem um som mais suave do que as flautas do século XVIII nas quais elas ao baseadas. No entanto, estas flautas doce neobarrocas permanecem como instrumentos para solo. Temos também hoje, a produção em série de flautas de plástico a partir de cópias de originais como, por exemplo, as japonesas Yamaha, Aulus e Zen-on, além de uma série de edições modernas facsímiles e edições antigas e manunscritos editados na Europa.
Fabrication d'une flûte à bec
Блокфлейта
Блокфлейта
Блокфлейта — разновидность продольной флейты, духовой деревянный музыкальный инструмент из семейства свистковых духовых инструментов, таких как свирель, окарина. Отличается от других инструментов своего семейства наличием 7 пальцевых отверстий на лицевой стороне и одного на тыльной — так называемого октавного клапана. Звук в блокфлейте формируется в клювовидном мундштуке, находящемся на торце инструмента. В мундштуке находится деревянная пробка (от нем. Block), прикрывающая отверстие для вдувания воздуха (оставляя лишь узкую щель).
Блокфлейта была популярна в Средние века в Европе, но к XVIII веку её популярность снизилась, так как предпочтение стало отдаваться оркестровым духовым инструментам, таким, как поперечная флейта, обладающая более широким диапазоном и громким звуком.
По-немецки блокфлейта называется «Blockflöte» («флейта с блоком»), по-французски — «flûte à bec» («флейта с мундштуком»), по-итальянски — «flauto dolce» («нежная флейта»), по-английски — «recorder» (от record — «учить наизусть, разучивать»).
В наше время блокфлейты изготавливаются не только из дерева, но и из пластика. Тем не менее, лучше всего звучат именно деревянные флейты. Для изготовления традиционно используется самшит или фруктовые деревья (груша, слива), для бюджетных моделей — как правило, клён, а профессиональные инструменты часто изготавливаются из пород красного дерева.
Звукоряд блокфлейты диатонический, но с использованием вилочных аппликатур расширяется до полного хроматического.
История...
Блокфлейта известна в Европе с XI века; была широко распространена в XVI—XVIII веках.
Использовалась соло, в ансамблях и оркестре. Для блокфлейты писали А. Вивальди, Г. Ф. Телеман, Г. Ф. Гендель, И. С. Бах.
В середине XVIII века блокфлейту вытеснила поперечная флейта; лишь в XX веке блокфлейта стала снова использоваться.
Разновидности блокфлейт
Существуют блокфлейты различных размеров (до 250 см) и строев.
Блокфлейта обычно имеет строй «Фа» или «До», то есть это самый низкий звук, который можно на ней извлечь. Наиболее распространённые разновидности блокфлейты по высоте звучания: сопранино, сопрано, альт, тенор, бас.
Сопранино имеет строй «Фа», сопрано — строй «до», альт звучит ниже сопранино на октаву, тенор на октаву ниже сопрано, а бас на октаву ниже альта.
Блокфлейты также классифицируются по аппликатурным системам. Существует два вида аппликатурных систем для блокфлейт: «немецкая» («ренессансная») и «баро́чная» (или «английская»). «Немецкая» аппликатурная система чуть проще для начального освоения, но большинство действительно хороших профессиональных инструментов делается именно с «барочной» аппликатурой.
Banchetto Musicale de J. H. Schein 1610-1620
Flauto Dolce
Flauto dolce
Il flauto dolce (o flauto a becco) è uno strumento musicale della famiglia degli aerofoni, di legno. In inglese è chiamato recorder, in francese flûte à bec, in tedesco Blockflöte. Come l'ocarina e il tin whistle è uno strumento "a fischietto", in cui l'emissione del suono è provocata dall'incanalamento dell'aria in un condotto, ricavato nell'imboccatura dello strumento, che la dirige contro un bordo affilato (detto labium): l'oscillazione della colonna d'aria fra l'esterno e l'interno del labium mette in vibrazione l'aria contenuta nello strumento.
Impostazione ...
Si suona tenendo lo strumento frontalmente tra le labbra, a differenza del flauto traverso che si tiene orizzontale. Per questo motivo il flauto dolce è a volte chiamato "flauto dritto". Esistono flauti dolci di diverse lunghezze, flauti più lunghi avranno un suono più grave, più corti avranno un suono più acuto. Ha in tutto 8 fori (7 sul lato anteriore e 1 su quello posteriore); dei 7 anteriori, i tre superiori si suonano con la mano sinistra (il foro sul lato posteriore, detto portavoce, si chiude con il pollice della mano sinistra, e serve per ottenere le note dell'ottava superiore) e i quattro inferiori con la mano destra.
Il mignolo della mano sinistra ed il pollice della destra non vengono usati (il pollice destro regge lo strumento). Il foro più basso è disallineato rispetto agli altri, per poter essere agevolmente raggiunto dal dito mignolo; nei flauti rinascimentali, in luogo del foro più basso venivano praticati due fori alla stessa altezza, in posizione simmetrica, per permettere un eventuale uso con le mani invertite (la destra in alto, la sinistra in basso): il foro non utilizzato era sigillato con la cera. Per alzare di un semitono la nota più grave è necessario tappare il foro più basso solo a metà: nel XVIII secolo, per rendere più precisa l'intonazione della nota alterata, il foro fu sdoppiato in due fori ravvicinati (e lo stesso fu fatto per il foro immediatamente superiore), come si vede nei flauti dolci di costruzione moderna.
Gli strumenti più gravi della famiglia hanno delle chiavi che permettono di occludere i fori sul trombino.
Nel flauto dolce (diversamente dal flauto traverso) non è possibile variare l'imboccatura cambiando la posizione delle labbra, per adattarla a un flusso d'aria più o meno intenso: pertanto, nel flauto dolce variazioni di pressione dell'aria da parte dell'esecutore producono inevitabilmente variazioni di altezza della nota emessa. Gli effetti espressivi ottenibili con il flauto dolce si basano quindi sull' articolazione del fraseggio (la variazione del transitorio di attacco di ciascuna nota, ottenuta con diversi "colpi di lingua"), sull'uso (sporadico) di diteggiature alternative, e su moderate variazioni di intensità sulle singole note; è invece preclusa la possibilità di ampie variazioni di intensità (piano e forte) e di effetti di crescendo e diminuendo sull'arco di frasi lunghe.
Per contro, il fatto che l'imboccatura del flauto dolce possa essere anche molto lontana dalla bocca dell'esecutore (negli strumenti più lunghi l'aria viene soffiata attraverso un tubo di ottone detto ritorta) permette di realizzare strumenti molto lunghi (e quindi con tessitura molto bassa), cosa assai più problematica per i flauti traversi.
Proprio la diversa costruzione dell'imboccatura, che differenzia il flauto dolce dal flauto traverso, ha quindi determinato tanto la grande diffusione del flauto dolce nel Rinascimento (epoca in cui si apprezzava molto l'effetto di insiemi omogenei di strumenti che riproducessero, grazie alle diverse taglie, l'insieme delle voci umane dal basso al soprano), quanto la definitiva prevalenza del flauto traverso verso la fine del XVIII secolo, allorché le possibilità dinamiche del flauto dolce risultarono inadeguate alle mutate esigenze musicali e alle dimensioni delle sale da concerto.
Tipi di flauto ...
I flauti dolci esistono in diverse taglie, che si sono sviluppate in epoca rinascimentale, quando si diffuse la pratica di eseguire con strumenti brani polifonici originariamente destinati alle voci: da questa pratica derivò la produzione di un repertorio strumentale in cui le parti mantenevano le estensioni tipiche dei registri vocali.
Nel XVI secolo non solo i flauti dolci, ma tutti gli strumenti melodici (tromboni, bombarde, viole da braccio e da gamba... perfino gli antenati del fagotto) costituivano "famiglie" formate da "soprano", "contralto", "tenore" e "basso". In alcune famiglie di strumenti (come nei flauti dolci), tutte le estensioni erano trasposte, rispetto alla voce umana dello stesso nome, un'ottava sopra; in altre famiglie le estensioni risultavano abbassate di un'ottava (come in alcuni strumenti ad ancia). Per similitudine con la nomenclatura dei registri dell'organo (basata sulla lunghezza della canna più grave del registro), si usa dire che gli strumenti accordati all'unisono delle voci con lo stesso nome suonano «su 8 piedi (8')», mentre quelli che suonano trasponendo un'ottava sopra o un'ottava sotto, rispettivamente, sono accordati «su 4'» o «su 16'».
Nel caso dei flauti dolci, la famiglia "standard" di 4' (ogni strumento suona un'ottava sopra rispetto alla voce umana dello stesso nome) è costituita da:
flauto dolce soprano (in do2)
flauto dolce contralto (in fa1)
flauto dolce tenore (in do1, un'ottava sotto il flauto soprano)
flauto dolce basso (in fa0, un'ottava sotto il flauto contralto)
Nel trattato di organologia di M. Praetorius (Syntagma Musicum, vol.II Organographia, 1619), il flauto basso della famiglia di 4' è indicato con il termine Basset: esistevano infatti anche strumenti più grandi, che permettevano di costituire quartetti di flauti su 8', e che Praetorius chiama
Bass (in do0, un'ottava sotto il flauto tenore)
Groß Bass (in FA, due ottave sotto il flauto contralto)
Quantunque la nomenclatura universalmente adottata faccia riferimento al registro di 4', di fatto nel Rinascimento esistevano quindi due famiglie di flauti dolci: nella famiglia di 8' (che suona note reali) il basso è il Groß Bass, mentre le parti di superius si eseguono con un flauto tenore in do, e così via. Nella pratica musicale, o si usava la famiglia su 4' o si usava quella su 8': non esistevano brani che richiedessero l'intera "famiglia estesa", dal gran basso al soprano.
Infine, si costruivano anche due flauti di taglia più piccola:
flauto dolce sopranino in fa2 (un'ottava sopra il flauto contralto)
flauto dolce sopranino in do3 (un'ottava sopra il flauto soprano)
Tutti questi strumenti sono stati riprodotti dai costruttori moderni: il flauto dolce oggi più diffuso è il soprano in do (utilizzato spesso per l'educazione musicale nella scuola media), benché gran parte del repertorio solistico per il flauto dolce (specificamente, quasi tutto il repertorio barocco) sia destinato al flauto contralto in fa. I due flauti "gran bassi" della famiglia di 8' sono oggi usati solo da pochissimi esecutori (ad esempio dal Wiener Blockflöten Ensemble).
Il flauto dolce barocco (e quindi quello moderno che ne è una riproduzione) produce tutte le note della scala cromatica per un'estensione di due ottave e un tono. I flautisti più esperti possono superare questo limite con diteggiature e tecniche di emissione particolari.
Storia
Gli inizi ...
Lo schema di base del flauto a fischietto è molto comune e ne fa uno strumento molto antico. Il flauto dolce si distingue per la presenza di otto fori (sette frontali, più il portavoce), laddove altri strumenti della stessa famiglia ancora in uso, ad esempio nella musica popolare irlandese hanno normalmente sei fori, così come in orgine anche il flauto traverso prima dell'intervento di Theobald Boehm nel 1832. Inoltre la cameratura del flauto dolce, particolarmente in epoca barocca, è conica (con l'estremità più ampia verso l'imboccatura) mentre quella di strumenti simili è cilindrica.
Si fa risalire l'origine dello strumento al XIV secolo anche se alcuni documenti pittorici fanno pensare ad un'origine anteriore. Gli esemplari più antichi oggi esistenti risalgono appunto al XIV secolo: si tratta di due strumenti trovati rispettivamente nel 1940 in un fossato a Dordrecht in Olanda, e a Gottinga, in Germania, in una latrina pubblica, e di un frammento, di osso, trovato a Rodi, in Grecia. Il grande musicista e poeta Guillaume de Machaut (circa 1300-1377) cita in un suo verso fleuthe traversaines et flaustes dont droit joues quand tu flaustes, a dimostrazione che flauto diritto e flauto traverso erano entrambi in uso nel XIV secolo.
Il Rinascimento ...
Il flauto dolce ebbe la sua massima popolarità durante il XVI e XVII secolo, quando la produzione di spartiti a stampa permise ad un vasto pubblico di dilettanti di accedere alla letteratura musicale: per costoro il flauto dolce era uno degli strumenti più accessibili e permetteva di suonare una gran quantità di melodie popolari. A testimonianza della sua popolarità, un elenco di proprietà di Enrico VIII, alla sua morte nel 1547, comprendeva ben 76 flauti dolci. Lo strumento ha lasciato traccia nella letteratura di questo periodo, ed è citato, ad esempio, in opere di Shakespeare, Samuel Pepys, John Milton.
Esistono ancora molti esemplari provenienti da questo periodo: notevoli sono una famiglia (incompleta) di strumenti, conservata a Norimberga ancora in condizioni suonabili, tre strumenti di grossa taglia conservati al Kunsthistorisches Museum di Vienna, e tredici flauti conservati nel Museo dell'Accademia Filarmonica di Verona.
Gli strumenti di questo periodo, dotati di minore conicità, richiedevano maggior dispendio di fiato a fronte di un suono più pieno e di maggior volume. L'estensione suonabile con facilità era di circa un'ottava e mezzo, e gli strumenti erano frequentemente in re e in sol (anziché in do e in fa). Gli strumenti erano costruiti in legno di acero o di pero, o in altre essenze con simili caratteristiche; flauti soprani e contralti erano talora costruiti anche in bosso o in avorio.
L'epoca barocca ...
Nel corso del XVII secolo il flauto dolce fu modificato in maniera significativa (gli strumenti di questo periodo sono chiamati barocchi in contrapposizione ai più antichi rinascimentali). Le modifiche apportate furono tali da addolcirne il suono e da renderlo uno strumento completamente cromatico su due ottave. Molti compositori importanti inserirono il flauto dolce nei loro lavori.
Anche la nomenclatura cambiò, e nel XVIII secolo il flauto dolce era chiamato semplicemente flauto, mentre il flauto traverso si chiamava Traverso o Traversiere creando una certa confusione che ancora persiste. Ad esempio Johann Sebastian Bach scrisse il suo quarto Concerto Brandeburghese, oggi suonato con flauti dolci, per due "flauti d'echo", un termine che lascia qualche interrogativo sul tipo di strumento richiesto. Il musicologo Thurston Dart suggerì (forse erroneamente) che si trattasse di uno strumento di origine francese ("flageolet") simile al flauto dolce ma intonato un'ottava sopra, che in quegli anni era piuttosto noto grazie all'uso che di esso faceva un virtuoso londinese di origine francese, James Paisible. Altri sostengono che Bach volesse indicare uno strumento chiamato appunto flauto d'eco, un esemplare del quale è visibile a Lipsia, costituito di due flauti dolci in Fa, collegati tramite cinghie di cuoio, e disposti per avere volumi diversi. Antonio Vivaldi scrisse tre concerti per flautino, uno strumento che probabilmente è quello che oggi chiamiamo flauto dolce sopranino, anche se per molto tempo le esecuzioni di queste composizioni hanno utilizzato un ottavino.
Poiché il flauto era strumento diffuso fra i dilettanti, nel XVIII secolo furono pubblicate numerose trascrizioni per flauto di sonate per violino, per esempio la (discussa) trascrizione di sonate di Corelli ad opera di John Walsh (Londra 1702). Viceversa, buona parte delle sonate dell'epoca barocca per strumento a fiato solo (con o senza basso continuo) si possono eseguire indifferentemente sul flauto dolce, sul flauto traverso o sull'oboe (quest'indicazione è spesso fornita esplicitamente nel frontespizio delle raccolte dell'epoca), quindi la loro esecuzione con il flauto dolce non si deve considerare un "trascrizione", nemmeno quando essa necessita della trasposizione del pezzo una terza minore sopra, secondo la prassi indicata da Jacques Hotteterre nel 1715.
Il fatto che in epoca tardo-barocca si sia iniziato a costruire i flauti dolci in tre parti, mentre nel Rinascimento erano costruiti in un pezzo unico o al massimo in due pezzi (anche i più grandi), riflette un significativo cambiamento nella figura del flautista professionista. Nel rinascimento, gli strumentisti erano al servizio delle corti, e gli strumenti che usavano non erano di loro proprietà, bensì della cappella di corte. Tutti gli strumenti a fiato costruiti per una stessa cappella erano accordati su uno stesso La, ma quest'ultimo poteva variare moltissimo fra una cappella e l'altra (anche di più di mezzo tono). In seguito, i più noti virtuosi di flauto iniziarono a spostarsi da una città all'altra per le loro esibizioni, portando con sé i loro strumenti, e il problema di doversi adeguare ad altezze del La tanto diverse fu risolto costruendo il flauto in tre sezioni (il flauto traversiere addirittura in quattro): per piccole variazioni di accordatura era sufficiente inserire la sezione centrale più o meno profondamente nella testata (come si fa tuttora), ma oltre un certo limite era necessario sostituire del tutto la sezione centrale con una di lunghezza diversa e con le distanze fra i fori alterate proporzionalmente. I flautisti dell'epoca barocca andavano quindi in giro con strumenti che avevano una dotazione di due o tre sezioni centrali intercambiabili, diversamente accordate. Gli strumenti di epoca barocca erano costruiti in legni molto duri (bosso o ebano). Diversi costruttori realizzavano flauti in legno con il becco e le giunzioni rivestite in avorio o in argento, a fini estetici e per prevenire fessure del legno nei punti in cui esso risultava più sottile. Alcuni strumenti erano realizzati interamente in avorio.
L'Ottocento ...
Alla fine del diciottesimo secolo il flauto dolce subì un declino. La radicale trasformazione del flauto traverso ad opera di Theobald Boehm, fra il 1832 e il 1847, rende quest'ultimo strumento definitivamente più adatto a figurare nell'orchestra sinfonica. L'ultima apparizione di qualche rilievo del flauto dolce è nell'opera di Gluck. Orfeo ed Euridice, dove viene usato come suono evocativo dell'aldilà.
Nei primi anni del XIX secolo comparve uno strumento chiamato Csakan, molto simile al flauto dolce e con la stessa diteggiatura, probabilmente inventato da Anton Heberle (che lo usò per la prima volta in un concerto nel 1807). Lo Csakan godette di una notevole popolarità a Vienna e in tutta l'area austro-ungarica: fra il 1807 e il 1845 furono pubblicati oltre 400 brani di musica per Csakan (solo o con accompagnamento di chitarra o pianoforte), per lo più destinati a musicisti dilettanti. Lo Csakan era spesso costruito nella forma di un bastone da passeggio, con la testata nell'impugnatura, a somiglianza di alcuni strumenti popolari ungheresi.
Il XX secolo e la riscoperta...
Ancora all'inizio del XX secolo il flauto dolce era così raro da far credere a Stravinsky che fosse una sorta di clarinetto (forse a causa della forma).
Lo strumento venne riscoperto nell'ambito del movimento di riscoperta della musica antica, nella prima metà del secolo, ad opera di Arnold Dolmetsch in Inghilterra, degli insegnanti del Conservatorio di Bruxelles - dove Dolmetsch aveva studiato - e nei concerti tenuti alla Bogenhausen Künstlerkapelle (l'orchestra degli artisti di Bogenhausen) in Germania, dove nello stesso periodo operavano, a favore del flauto dolce, anche Willibald Gurlitt, Werner Danckerts e Gustav Schecky.
Il rinnovato interesse per lo strumento, unito alla circostanza che era divenuto possibile fabbricare strumenti discreti in materiali economici (inizialmente bachelite, poi plastica) fece sì che lo strumento divenisse popolare come supporto didattico da utilizzare nelle scuole, soprattutto per la facile emissione sonora e per la ridotta distanza fra i fori, che rende il flauto soprano in do adatto anche a mani molto piccole. Carl Dolmetsch, il figlio più giovane di Arnold, si dedicò a partire dagli anni '30 alla costruzione di strumenti in cui introdusse singolari innovazioni per permettere una maggiore escursione dinamica e diteggiature alternative, consistenti in chiavi aggiuntive poste sulla faccia posteriore del becco e sul foro terminale del flauto; queste innovazioni non godettero di grande fortuna, e nella seconda metà del XX secolo è stata sempre più incentivata, nell'uso professionistico, la produzione di copie accurate dei pochi esemplari di epoca rinascimentale e barocca che sopravvivono in musei o collezioni private.
Nella costruzione di strumenti per uso didattico, la scuola inglese mantenne la diteggiatura standard dell'epoca barocca, nella quale il quarto grado della scala diatonica dello strumento (FA nel soprano e SIb nel contralto) si ottiene con la diteggiatura detta "a forchetta" (tutti i fori chiusi eccetto quello del medio della mano destra). In Germania, invece, intorno al 1920 si pensò di alterare i diametri dei fori, ottenendo in questo modo la cosiddetta "diteggiatura tedesca", che consente di emettere la stessa nota con medio, anulare e mignolo della destra sollevati: questa diteggiatura, che a molti sembra più agevole, determina però un'inevitabile stonatura di altre note della scala cromatica, e pertanto è presente solo in strumenti per principianti. Alcuni modelli molto diffusi di flauti per uso scolastico sono tuttora disponibili con l'una o con l'altra diteggiatura: questo causa non infrequenti confusioni da parte di acquirenti inesperti.
Repertorio
Medioevo e Rinascimento ...
Fino alla fine del XVI secolo, praticamente in nessuna composizione è esplicitamente indicato uno specifico strumento (se si eccettuano le intavolature per strumenti a tastiera). Il flauto dolce era ampiamente impiegato nel repertorio strumentale, e le indicazioni più significative del suo utilizzo vengono dalle numerose opere dedicate alla pratica delle variazioni strumentali su madrigali e chansons basate sulla tecnica della diminuzione. In particolare, il trattato Opera intitulata Fontegara (1535) di Silvestro Ganassi dal Fontego è specificamente dedicato al flauto dolce.
I flautisti hanno a disposizione un vastissimo repertorio di epoca rinascimentale, eseguibile con una famiglia di flauti dolci oppure insieme ad altri strumenti (broken consort): musiche di danza, fantasie e ricercari, esecuzione strumentale di madrigali e chansons.
Barocco ...
In epoca barocca il flauto dolce era usato nell'ambito di formazioni diverse. Nei secoli XVII e XVIII numerose raccolte erano pubblicate senza l'indicazione dello strumento di destinazione (dato che potevano essere eseguite indifferentemente con diversi strumenti) o con indicazioni alternative; anche quando è presente l'indicazione "flauto" non è sempre evidente se si intenda il flauto dolce o il flauto traverso. Vi sono però numerose composizioni in cui è esplicitamente indicato il flauto dolce; nella maggioranza dei casi è richiesto il flauto dolce contralto in fa, più raramente il soprano in do.
Alle soglie tra il rinascimento e il barocco, sia Claudio Monteverdi (ne L'Orfeo e nel Vespro della Beata Vergine) che Heinrich Schütz inserirono il flauto (generalmente, una coppia di flauti) nell'organico di grandi opere sacre o profane, in occasionale alternanza agli strumenti acuti di più frequente utilizzo (violini, cornetti), per ottenere effetti timbrici particolari. Lo stesso fece, alcuni decenni più tardi, anche Henry Purcell.
Al primo barocco appartiene la prima e fino ad oggi più voluminosa opera per flauto dolce solo, il Fluyten Lust-hof (Edizione stampata in tre volumi dal 1648 fino al 1654) del flautista Jacob van Eyck di Utrecht, una collezione di quasi 150 arie di danze, canzoni e corali molto popolari in quei tempi, ciascuna corredata da diverse variazioni progressivamente sempre più elaborate e virtuosistiche. Altre raccolte dello stesso genere, per lo più anonime, furono pubblicate in Olanda (Der Gooden Fluyt Hemel, 1644) e in Inghilterra (The division flute, 1708).
Fra le sonate da camera per strumento a fiato e basso continuo del XVIII secolo, gran parte possono essere eseguite con il flauto dolce (eventualmente con la trasposizione di una terza minore verso l'altro, che si usava già all'epoca), diversamente da quelle che sono destinate al violino e quindi comprendono un'estensione troppo grande e occasionali accordi (anche delle sonate violinistiche più popolari, fra cui quelle di Corelli e di Vivaldi, comparvero tuttavia "arrangiamenti" per flauto dolce già nella prima metà del '700, in Inghilterra).
Come già detto, nella musica italiana si trova generalmente l'indicazione "flauto" senza che sia specificato se si tratti di flauto dolce o flauto traverso. Vivaldi scrisse numerosi concerti per flauto contralto e archi (o per flauto e altri strumenti concertanti), e almeno tre concerti, particolarmente virtuosistici, per "flautino" (che dovrebbe essere il flauto dolce sopranino in fa), archi e basso continuo. Un'intera raccolta di dodici sonate originali per flauto dolce contralto e basso continuo di Benedetto Marcello fu pubblicata a Venezia nel 1712, e successivamente ripubblicata a Londra nel 1732. Altre raccolte di sonate per flauto furono scritte da Paolo Benedetto Bellinzani e da Giovanni Battista Sammartini, mentre Alessandro Scarlatti incluse il flauto dolce in numerose cantate o concerti grossi.
In area francese, come sappiamo dai trattati dell'epoca (in particolare quelli di Jacques Hotteterre), si preferiva il timbro del flauto traverso; tuttavia quest'ultimo poteva essere sostituito dal flauto dolce o dall'oboe (le sonate per strumento solo e basso continuo prevedevano anche come possibili alternative l'uso della ghironda (vielle) e della Musette de cour, piccola cornamusa a mantice). Nelle suites francesi, il primo movimento di danza (allemande) doveva essere preceduto da un preludio, e se questo non faceva parte della suite era improvvisato dallo strumentista (senza basso continuo). Furono quindi pubblicate diverse raccolte di preludi per flauto, destinati a quest'uso.
Sappiamo dalla testimonianza diretta di Johann Joachim Quantz che il flauto traverso, quantunque fosse chiamato correntemente flûte allemande (flauto tedesco) in Francia e in Inghilterra, acquistò in Germania definitiva preminenza sul flauto dolce solo verso la metà del 1700. Johann Mattheson pubblicò dodici sonate per flauti nel 1708, e ancora dopo il 1730 Johann Christian Schickhardt pubblicò un gran numero di sonate e altre composizioni destinate al flauto dolce; ma il più vasto corpus di composizioni espressamente dedicate al flauto dolce da un singolo autore è senza dubbio quello dovuto a Georg Philipp Telemann: numerose sonate per flauto solo e basso continuo, sonate per due flauti, concerti e ouvertures per uno o due flauti dolci e archi, e oltre 90 cantate che prevedono uno o più flauti dolci in organico (fra cui 13 cantate sacre per per voce, flauto dolce e basso continuo).
Telemann e Quantz, inoltre, scrissero brani in cui è prevista (caso rarissimo) la compresenza di flauti dolci e flauti traversi: la triosonata in Do maggiore per flauto dolce, flauto traverso e basso continuo di Quantz, il concerto in mi minore per flauto dolce, flauto traverso e archi TWv 52:e2 di Telemann, e l' Ouverture in si bemolle maggiore TWV 55:B6, sempre di Telemann, che prevede due flauti traversi e un flauto dolce come strumenti concertanti. Johann Sebastian Bach ha usato i flauti dolci contralto come strumenti solisti nei Concerti brandeburghesi no. 2 e 4, oltre che in 19 cantate e nella Passione secondo Matteo.
In Inghilterra il flauto dolce era estremamente popolare come strumento amatoriale; oltre a numerose trascrizioni per flauto di sonate originariamente destinate ad altri strumenti, furono pubblicate raccolte di sonate e concerti espressamente dedicate al flauto da parte di compositori tedeschi o italiani che lavoravano a Londra, in primo luogo Georg Friedrich Händel che rielaborò come sonate per flauto e basso continuo sue precedenti composizioni di successo (inclusi concerti per organo e archi), e inoltre Johann Christoph Pepusch, Gottfried Finger, Nicola Matteis, Giuseppe Sammartini (a cui è dovuto un concerto per flauto dolce soprano e archi), Francesco Maria Veracini, Francesco Barsanti e molti altri compositori non attivi in Inghilterra ma colà molto apprezzati, fra cui Francesco Mancini.
XX e XXI secolo ...
Dopo un oblio pressoché completo nel corso del XIX secolo, il flauto dolce fu riscoperto nei primi decenni del XX secolo. Fra i primi compositori del '900 a scrivere opere originali per flauto dolce si trovano Paul Hindemith (1932) e diversi suoi allevi, e in seguito Benjamin Britten, Edmund Rubbra, Luciano Berio, John Tavener, Malcolm Arnold, Michael Tippett, Leonard Bernstein, Erhard Karkoschka, Mauricio Kagel, Kazimierz Serocki, Gordon Jacob, Bertold Hummel. Negli ultimi decenni del XX secolo la letteratura per il flauto dolce è cresciuta considerevolmente e sta crescendo anche nel XXI secolo, grazie a numerose nuove composizioni commissionate dagli interpreti, fra cui una delle più note è Michala Petri.
Di tanto in tanto, il flauto dolce viene anche usato nella musica pop e rock, per esempio in canzoni dei Beatles, dei Rolling Stones, di Jimi Hendrix o di Led Zeppelin auf. Nel jazz, troviamo il flauto dolce nelle composizioni di Keith Jarrett, Pete Rose o Paul Leenhouts. Anche nella folk music i flauti dolci hanno una certa importanza.
Recorders Originals from 17th century
Blokfluit
Blokfluit
De blokfluit (of bekfluit) is een houten blaasinstrument met een labium. Het labium bevindt zich achter het blok dat in een cilindrische buis geschoven wordt (vandaar de naam blok-fluit).
Geschiedenis...
Fluiten in het algemeen zijn bijzonder oud. Veel culturen kennen hun eigen varianten zoals de dvojnice uit Dalmatië, een dubbelfluit. Fluiten stammen uit de prehistorie en konden op twee manieren aangeblazen worden: recht en dwars. Beide versies hadden waarschijnlijk oorspronkelijk een vingerzetting gebaseerd op zes vingergaten, zoals dat vandaag de dag bij de Ierse pennywhistle nog steeds het geval is. Ook de traverso zoals deze vóór de uitvinding van de moderne dwarsfluit door Theobald Böhm gebouwd werd was op dit ontwerp gebaseerd.
De echte blokfluit onderscheidt zich van het zes gaten ontwerp doordat het een duimgat voor de linkerduim bezit en vaak een achtste gat voor de rechter pink. Dit ontwerp is duidelijk een stuk jonger. De voorlopers van de moderne blokfluit stammen mogelijk uit de 14e eeuw. Zij worden echter pas echt -maar dan ook razend- populair vanaf 1500. Dit hing samen met de opkomst van de gegoede burgerij en de verspreiding van muziek in gedrukte vorm
In 1511 en 1535 verschenen de eerste boeken over blokfluit respectievelijk door Sebastian Virdung en Silvestro Ganassi geschreven.
De populariteit van het instrument bleef voortduren tot aan de 19e eeuw. In het grote orkest van die dagen met muziek die sterk moduleerde naar moeilijk te spelen toonsoorten was geen plaats meer voor de blokfluit.
Blokfluit-familie
Blokfluiten zijn er in zeer veel verschillende soorten en maten, de lengte kan van 10 cm tot zo'n 320 cm variëren. Veel van deze blokfluiten krijgen een verhoogde toon (één octaaf hoger dan grondtoon) als men 'overblaast'. Een C 1 gestreept, wordt dan een C 2 gestreept. Dit effect bereik je door (te) hard te blazen.
benamingtoonsoortlengte
Gar klein flötleinC10 cm
SopraninoblokfluitF20 cm
SopraanblokfluitC34 cm
AltblokfluitF48 cm
TenorblokfluitC
BasblokfluitF
GrootbasblokfluitC
Contrabasblokfluit of SubbasblokfluitF
Grootste blokfluit...
De "grootste blokfluit ter wereld" is gemaakt door de Nederlandse blokfluitbouwer Adriana Breukink. Zij heeft er in totaal drie gemaakt; er zijn er twee in Nederland en één in België in gebruik. Een afbeelding van deze reuzenblokfluit is te zien op de Nederlandse Blokfluitpagina.
Ook de Slowaakse Furulja is manshoog.
Materiaal...
De blokfluit wordt meestal van hout gemaakt. De gebruikte houtsoorten zijn zachte Europese houtsoorten (perenhout, pruimen, kersen, esdoorn / ahorn, olijfhout, noten, buxus / palmhout) of harde tropische houtsoorten (palissander, cocobolo, rozenhout, ebbenhout, coromandel, grenadille, bubinga, West-Indische buxus). De prijs van een instrument hangt onder andere af van het soort hout dat werd gebruikt.
Goedkope blokfluiten worden ook gemaakt van plastic, wat een aantal voordelen heeft ten aanzien van zuiverheid en ongevoeligheid voor vocht. Plastic blokfuiten zijn vrijwel onderhoudsvrij en worden in kwaliteit alleen overtroffen door veel duurdere houten fluiten.
Fluiten kunnen ook van andere materialen gemaakt worden zoals glas, maar zoiets is meestal een rariteit.
Bespeling...
Een blokfluit heeft acht gaten (zonder dubbele boring), zeven aan de bovenkant en een aan de onderkant. Aan de onderkant bevindt zich het duimgat dat helemaal of half geopend kan worden om hogere noten te produceren. De onderste twee gaten aan de bovenkant zijn vaak dubbel uitgevoerd om het gedeeltelijk afsluiten van een toongat te vereenvoudigen, en daarmee het spelen van laddervreemde tonen.
Een blokfluit heeft Duitse boring ('gewone' vingerzetting) of barokboring ('barok' vingerzetting). Sommigen bevelen de gewone vingerzetting aan om muziek aan te leren en om blokfluit te leren spelen. De gevorderde speler verkiest veelal een blokfluit met barokboring.
Op de blokfluit wordt voornamelijk barokmuziek gespeeld, maar er is ook veel oudere muziek en veel modernere muziek voor dit instrument geschreven. Een blokfluit komt niet in een symfonieorkest voor, maar wel vaak in een barokorkest. Verder wordt dit instrument vaak solo gebruikt of met pianobegeleiding. Ook bestaan er talloze blokfluittrio's en -kwartetten, waar het Amsterdam Loeki Stardust Quartet een voorbeeld van is.
Werken voor blokfluit
Voorbeelden van stukken voor blokfluit:
Der Fluyten Lust-hof (1644-49) van Jacob van Eyck
Sonates van Händel, Vivaldi, Marcello
Suite voor blokfluit van Telemann
Historische blokfluitbouwers
Hieronder volgt een lijst van bekende blokfluitbouwers uit de 16e tot 18e eeuw.
Claude Rafi (ca. 1550)
Hieronymus F. Kynseker (1636 - 1686)
Richard Haka (ca. 1646 - 1705)
Pierre Jaillard Bressan (1663 - 1730)
Johann Christoph Denner (1655 - 1707), Nürnberg
Thomas Stanesby sr. (1668 - 1734)
Jean-Hyacinthe Rottenburgh (1672 - 1756), Brussel
Jan Steenbergen (1675 - 1728)
Engelbert Terton (1676 - 1752)
Jacob Denner (1681 - 1735), Nürnberg
Johann Heinrich Eichentopff (1687 - 1769)
Thomas Stanesby jr. (1692 - 1754)
Jacques Hotteterre (ca. 1700)
Johann Maria Anciuti (ca. 1720)
Debey (18e eeuw)
J. P. Sweelinck - Ballo del gran duca
Flauta dulce
Flauta dulce
La flauta dulce o flauta de pico es un instrumento de viento muy antiguo. Popular desde la Edad Media hasta finales del Barroco, fue quedando relegado su uso al desarrollarse la orquesta clásica, poblada de instrumentos más sonoros. A partir del Siglo XX retorna de los museos, en principio por el interés de interpretar la música renacentista y barroca con sus instrumentos originales, pero su difusión mundial se basa en las posibilidades pedagógicas como herramienta para la iniciación musical.
Familia de flautas dulces
A partir del Renacimiento la flauta dulce se construye y utiliza formando familias que asemejan la distribución tonal de la voz humana, mediante conjuntos (consorts, en inglés),también comunes en los instrumentos de cuerda (violin-viola-violoncello-contrabajo). Por este motivo existen Flautas dulces de menos de 15 centímetros de longitud, hasta modelos de más de 2 metros. Las más difundidas y conocidas -sin embargo- son la flauta dulce soprano, instrumento común en las escuelas para iniciación musical, y la flauta dulce alto o contralto. Todas tienen una tesitura de dos octavas y media, y -en general- son instrumentos basados en yucade DO o FA:
Piccolino - fa'''
Exilent - do'''
Sopranino - fa''
Soprano - do''
Alto - fa'
Tenor - do'
Bajo - fa
Gran Bajo - do
Contrabajo - FA
Otros miembros de la familia son las llamadas...
Voice Flute, tenor en re, con la misma tonalidad básica que el traverso.
Fourth Flute y Sixth Flute, las utilizadas p. ej. en los conciertos de John Baston.
Técnica del instrumento
La flauta dulce se sostiene en posición vertical, con la mano izquierda más cercana a la embocadura. Una técnica correcta implica atender a la emisión del sonido, su articulación, y la digitación que permite generar las distintas notas.
Emisión del sonido ...
La emisión es de carácter "natural", evitando la idea de "soplar". La embocadura, del instrumento es un "bloque" (A) dentro del cual un canal de viento (B) dirige el aire directamente contra un borde afilado o lengüeta (C), que transmite su vibración de aire hacia la columna de aire dentro de la flauta. Por este motivo es relativamente sencillo producir sonidos, aunque la posición de la boca produce variaciones notables en la calidad y timbre del instrumento.
Articulación del sonido en la Flauta Dulce ...
La articulación es fundamental para la separación entre notas, permitiendo la expresión de la interpretación. La técnica de articulación es común a prácticamente todos los instrumentos de viento, y consiste en el llamado "toque de lengua" , cuyas variantes producen distintos modos. El toque de lengua se logra articulando fonemas simples (sin poner en vibración las cuerdas vocales del intérprete), logrando por ejemplo:
articulación legato: du-du-du
articulación staccato: t-t-t
articulación non legato: dad-dad-dad
articulación doble staccato: tu-ku-tu-ku
El manejo de esta técnica permite limpieza en los pasajes rápidos, y posibilidades expresivas importantes.
Tratados como "La Fontegara" de Silvestro Gannassi, editado en Venecia en 1535 mencionan un tipo adicional de articulación con el nombre de "Lingua riversa" en el sentido invertida o "al revés". Gannassi propone las sílabas le-re con variantes en todas la vocales. Un tipo de articulación similar es citado en algunos tratados posteriores, por ejemplo Joachim Quantz con la silaba did'll. El efecto que se busca es el de crear una suerte de superposición de las notas independientemente de la dureza del ataque inicial.
La flexibilidad de esta técnica con la cual se pueden crear notas que van desde un casi legato a un suave stacatto, la llevó a ser considerada uno de los tipos principales si no el principal para articular pasajes rápidos con elegancia (Dalla Casa). En las escuelas de flauta dulce modernas, en su mayoría de vertiente anglosajona, esta técnica es estudiada partiendo del tratado de Quantz (did'll). Un criterio unívoco sobre como abordar esta articulación partiendo del le-re de Gannassi no existe. Sin embargo, observando la tendencia a la guturalidad que existe aún hoy en la pronunciación de la r en el norte de Italia, se podría pensar que una r entendida como una g suave unida a una compresión de los fonemas, consecuencia natural de la velocidad de los pasajes, podría conducir a una especie de legl- legl en forma natural, creándose en este modo un efecto prácticamente igual al did'll ya citado.
Historia ...
En el Siglo XVII se produjeron varios cambios en la construcción del instrumento, resultando en lo que se conoce como "flauta dulce barroca" . Las innovaciones permitieron esta marca en una tesitura de dos octavas cromáticas, y la obtención de un timbre más "dulce" que los modelos anteriores. Durante el Siglo XVII, en forma algo confusa, el instrumento es a menudo referenciado simplemente como "Flauta" (Flauto en italiano), mientras que la flauta travesera es llamada "Traverso". Para esta flauta dulce fue que Bach escribió su 4º Concierto brandenburgués en Sol mayor, a pesar de que Thurston Dart sugirió erróneamente que fue escrito para flageolets.
Realmente, Bach escribió esta obra para dos "flauti d'echo", o flautas de eco, un ejemplo de las cuales sobrevive hasta hoy en Leipzig. Consiste en dos flautas dulces en fa, conectadas por pestañas de cuero, de forma que una de ellas se usa para tocar "forte" , la otra "piano".
Antonio Vivaldi escribió tres conciertos para "flautino", un instrumento que se pensaba correspondía al píccolo. Actualmente se acepta que realmente, se trataba de la flauta dulce sopranino. Sin embargo en uno de los manuscritos de estos conciertos se puede leer la indicación "strumenti alla quarta bassa" , hecho que ha llevado a formular la hipotesis que en realidad el instrumento pensado por Vivaldi para estos conciertos era la flauta dulce soprano.Esta hipótesis está avalada por la muy escasa presencia de la flauta dulce sopranino en el barroco tardío y varias referencias al "flauto piccolo" o "flautino" indicando la flauta soprano en re o en do.
Declive de la flauta dulce ...
El uso del instrumento declinó después del Siglo XVIII. Christoph Willibald Gluck impulsó una de sus últimas apariciones en la ópera Orfeo y Eurídice. Durante la época romántica, la flauta dulce fue totalmente desplazada por la flauta travesera.
Renacimiento moderno ...
La flauta dulce renació a principios del Siglo XX, gracias al interés de los intérpretes de música renacentista y barroca en utilizar los instrumentos originales de aquellas épocas. Uno de los principales impulsores de su uso fue Arnold Dolmetsch en el Reino Unido, quien junto a otros estudiosos e intérpretes en Alemania ayudó a difundir el instrumento.
A mediados del Siglo XX, varios fabricantes fueron capaces de construir flautas dulces en bakelita y derivados plásticos, produciendo un instrumento barato y accesible. A causa de esto, las flautas dulces comenzaron a ser muy populares a nivel escolar, considerando además su relativamente sencilla técnica inicial, y el hecho de no ser instrumentos tan estridentes en manos musicalmente no experimentadas.
Parte del éxito de la flauta dulce es su pobre reputación de "instrumento para niños". Esto se debe a la facilidad de generar sonidos, aunque no siempre los principiantes logren sonidos agradables. Sin embargo, es incorrecto suponer que la maestría es también sencilla; al igual que cualquier otro instrumento musical, requiere estudio y talento para tocar en un nivel avanzado.
Una figura influyente en el renacimiento de la flauta dulce como instrumento serio de concierto fue David Munrow, cuyo doble album "El Arte de la Flauta dulce" (1975) , permanece como una importante antología de la música para el instrumento a través de las diferentes épocas. Sin embargo, en modo casi unánime se indica a Frans Brüggen como el personaje más influyente en el renacimiento de la flauta dulce en los escenarios musicales alrededor del mundo. Sus numerosos discos y su actividad pedagógica en Ámsterdam contribuyeron en modo indeleble a formar la así llamada "escuela holandesa" de la flauta, de la cual hoy en día prácticamente todas las escuelas profesionales de flauta dulce descienden directa o indirectamente.
Compositores modernos de gran estatura han escrito obras para la flauta dulce, incluyendo a Paul Hindemith, Luciano Berio, John Tavener, Michael Tippett, Benjamin Britten, Leonard Bernstein, y Gordon Jacob. También es ocasionalmente utilizada en música popular, incluyendo grupos como los Beatles, los Rolling Stones, Led Zeppelin,Jimi Hendrix.
Karel van Steenhoven shows the Sub Contrabass
Flet prosty
Flet prosty
Flet prosty - dęty instrument muzyczny z grupy drewnianych.
Jest jednym z najprostszych instrumentów muzycznych. Wywodzi się od ludowej fujarki i posiada podobną konstrukcję. Grający dmie w ustnik, powietrze w komorze rezonacyjnej zostaje rozdzielone na dwa strumienie, z którego jeden opuszcza instrument przez szczelinę, a drugi poddany wibracji przepływa przez prostą rurę. Podobną konstrukcję mają piszczałki organów. Otwory nawiercone w rurze otwierane lub zamykane palcami grającego, a przy większych jednostkach z pomocą klap, kształtują wysokość dźwięku.
Flety proste strojone są do dźwięku c lub f. Jego prostota oraz łatwość gry powoduje, że jest popularny wśród amatorów, oraz wykorzystywany jako instrument w nauce muzyki na zajęciach z wychowania muzycznego. Flet prosty w muzyce poważnej używany był w muzyce dawnej. Współcześnie bywa wykorzystywany w muzyce folk, jednak nie jest to instrument ludowy.
Flet prosty posiada pięć standardowych wielkości:
flet sopraninowy - zakres dźwięków f2 do g5
flet sopranowy - zakres dźwięków c2 do d5
flet altowy - zakres dźwięków f1 do g4
flet tenorowy - zakres dźwięków c1 do d4
flet basowy - zakres dźwięków f do g3
Les Six Suites...Charles Dieupart 1720s... Il Giardino Armonico
Flûte à bec
Flûte à bec
La flûte à bec est un instrument de musique à vent de la famille des bois.
Comme tous les autres instruments, la flûte à bec se décline en plusieurs tailles. La nomenclature moderne comprend dans l'ordre décroissant (du plus aigu au plus grave): sopraninino (ou exilante), sopranino, soprano, alto, ténor, basse, contrebasse et soubasse. Cette nomenclature est loin de refléter la variété des différents accords qui ont été utilisés au cours des siècles, et illustre la conception moderne de l'ensemble de flûte, assez éloignée des ensembles "historiques".
Histoire ...
Les plus anciennes flûtes à bec remontent à la Préhistoire. Il convient toutefois de faire des distinctions parmi tous les instruments « à bec »... La flûte à bec (aussi appelée flûte douce, flûte d'Angleterre, flûte droite) est un instrument qui comporte huit trous de jeu, dont un manipulé par le pouce pour permettre l'émission des octaves aigües. Cet instrument apparaît incontestablement dans cette forme particulière à partir du XIVe siècle ; il en subsiste quelques vestiges : flûte de Dordrecht, fragment de Würzburg, flûte de Göttingen et flûte de Tartu. On peut supposer que cet instrument existait déjà auparavant, mais aucune preuve tangible n'a encore pu étayer cette hypothèse. À cette époque, il comportait neuf trous de jeu (d'où son appellation de « flûte à neuf trous ») mais le nombre utile n'était en réalité que de huit car on devait choisir entre les deux trous percés de chaque coté au bas de l'instrument afin de laisser le choix entre une tenue de droitier ou de gaucher et le trou inutile était bouché à la cire. C'est cet instrument qui sera décliné en plusieurs tailles à la fin du XVe siècle jusqu'à former une famille étendue et homogène à partir du XVIe siècle et que l'on désigne ordinairement par le vocable d'origine anglaise « Consort ».
Il existe toutefois des instruments « à bec » ou « à bloc » qui ne fonctionnent pas selon le même mode organologique :
Les galoubets, txistus, flûtes d'Ossau et autres flûtes à une main ne comportent que trois trous de jeu et l'obtention des quintes et octaves s'effectue par la force du souffle. La flûte à une main, associée à un petit tambour ou à d'autres instruments de percussion manipulés par le flûtiste lui-même, était très appréciée au Moyen Âge et à la Renaissance pour mener la danse en société. On retrouve ce couple d'instruments joués par un unique interprète dans l'actuel duo flûtet provençal-tambourin. Dans ce dernier cas, la percussion qui accompagne le flûtet à trois trous est un grand tambour à deux peaux à fût allongé et muni d'une chanterelle sur la peau supérieure.
Les flageolets quant à eux se déclinent en deux type :
« Anglais » (très proche de notre flûte à bec actuelle) qui fut aussi utilisé dans les pays germaniques. C'est pour lui, par exemple, que Mozart écrivit des parties dans L'enlèvement au Sérail.
« Français » comprenant 6 trous dont deux à l'arrière manipulés par chaque pouce. Ce dernier, inventé par un certain Sieur Juvisy comme le rapporte Marin Mersenne au XVIIe siècle, a été pourvu au XIXe siècle de divers systèmes de clés qui le rendirent très populaire dans les orchestres de bal et les bandes de musique militaire.
Le csakan est une variété viennoise de flûte à bec qui fut inventée, pense-t-on, par Anton Heberlé au début du XIXe siècle. Il était pourvu de clés et sa popularité est confirmée par les nombreuses œuvres écrites tout spécialement pour lui, notamment celles sorties des presses de Diabelli, un des éditeurs de Beethoven. Son usage dura jusqu'à l'orée du siècle dernier mais semble s'être fortement réduit à partir des années 1850.
Le pipeau, quant à lui, est un instrument d'aspect très simple qui ne comporte aucun trou de pouce et ressemble de très près au tin whistle irlandais. La fabrication de ces instruments n'est souvent pas le fait de facteurs professionnels (sauf pour le tin whistle), mais plutôt des joueurs eux-mêmes; une singularité qui le distingue des autres instruments ci-dessus mentionnés. La vogue des faiseurs et joueurs de pipeau en bambou, dont l'histoire remonte à la toute fin du XIXe siècle, répondant à une certaine idéologie de la nature en s'inspirant d'une antiquité toute fantasmée, a été très populaire au début du XXe siècle; ce qui a contribué à confondre pipeau et flûte à bec véritable. Les « flûtes préhistoriques » ci-dessus mentionnées sont de ce type mais beaucoup plus rudimentaires puisqu'elles peuvent ne comporter qu'un ou deux trous de jeu.
L'évolution de la construction des flûtes à bec, qui échappa à l'industrialisation et à l'usinage forcené des instruments de musique au XIXe siècle, a conduit au XXe siècle, en partant du modèle baroque, à des réalisations surprenantes d'instruments pourvus de systèmes de clés à la façon des instruments « Boehm », ou d'une totale révolution dans le design acoustique du corps de l'instrument, des matériaux choisis (bois, résines, plexiglas, métal) et des extensions (amplifications, transformations de timbre par appareils électroniques en temps réel).
Une histoire aussi longue et aussi variée a légué à la flûte à bec un répertoire abondant. Très utilisé dans la musique savante profane et religieuse depuis le XVe siècle au moins (il ne subsiste rien de la musique populaire), cet instrument connut une éclipse relative au XIXe siècle et jouit d'un regain de popularité dès les premières années du XXe siècle, notamment par l'action d'un de ses plus fervents défenseurs, le musicien et musicologue franco-anglais Arnold Dolmetsch. Associé aux mouvements populaires des jeunesses musicales allemandes dans l'entre-deux guerres, largement diffusé en Angleterre puis en Europe grâce à sa production de masse en bakélite dès les années 1940, cet instrument fut associé, pour toutes ces raisons, aux activités pédagogiques et scolaires dans les années cinquante.
Il connaît à présent une véritable activité de concertiste professionnel et est enseigné à un niveau supérieur dans les conservatoires spécialisés. On le rencontre dans le répertoire classique contemporain (Berio, Donatoni…) mais aussi de musique pop, de musiques actuelles, voire de jazz (Album Spirits de Keith Jarrett).
La famille se décline aujourd'hui en instruments en do et en fa.
Sopraninino (ou exilante) (do)
Sopranino (fa)
Soprano (do)
Alto (fa)
Ténor (do)
Basse (fa)
Contrebasse (do)
Soubasse (fa)
Cette classification est loin de refléter la diversité des instruments historiques. Par exemple, au XVIIIe siècle la division était différente :
dessus,
haute-contre,
taille,
quinte.
Les premiers utilisateurs du début du XXe siècle, se basant sur les instruments baroques et cherchant sans doute à créer une famille qui corresponde aux exigences des classifications chorales modernes et à l'aspect courant de la musique de chambre d'alors (quatuor à cordes notamment), firent écrire des quatuors de flûte pour soprano, alto, ténor et basse. Cette formation n'a visiblement rien d'historique, et la réalité du répertoire fait appel à des consorts qui sont loin de cette formation « classique ».
Les instruments solistes, quant à eux, étaient déclinés en de nombreuses tonalités différentes. Le « dessus » le plus courant au XVIe siècle était en sol, et l'époque baroque employa abondamment des instruments tels que la « flûte pastorale » en mi bémol, « flûte de voix » en ré, « Sixth flute » en ré également, « Fourth flute » en si bémol. L'alto pouvait être en sol ou en fa en pleine période baroque encore… La liste exhaustive de ces instruments serait fort longue.
La redécouverte de la flûte à bec ...
Sans avoir été complètement oubliée, la flûte à bec fut toutefois peu utilisée au XIXe siècle. L'intérêt particulier du musicien, luthier, musicologue et violoniste anglais Arnold Dolmetsch eut pour conséquence la fabrication de plusieurs instruments inspirés de l'ancien dès 1905. Un peu plus tard, le luthier allemand Peter Harlan se mit à en fabriquer à son tour dès 1927 mais en détournant les modèles originaux à des fins pratiques. Ces instruments connurent un très gros succès avant la Seconde Guerre mondiale et sont véritablement à l'origine de son engouement à grande échelle. Cette facture particulière donna naissance aux flûtes « à doigté allemand » (en fait doigtés du pipeau) que l'on rencontre encore de nos jours, alors que les flûtes respectant l'organologie ancienne promues Arnold et Carl Dolmetsch et par Edgard Hunt sont dites « à doigtés baroques » ou « anglais ». À travers ces deux écoles de facture, ce sont deux conceptions qui s'affrontent. L'une, proche des sources anciennes, cherchait à recréer une musique oubliée dans un souci de véracité historique, tandis que l'autre, plus sociale et commerciale, voulait développer un instrument agréable et facile (au prix d'une simplification excessive) sans s'embarrasser, plus que de besoin, de considérations musicologiques.
L'instrument le plus largement répandu aujourd'hui est celui dit « baroque » car c'est celui qui permet réellement de jouer les œuvres du répertoire, ce que ne permet pas l'instrument Harlan.
Les vertus pédagogiques de la flûte à bec, déjà soulignées par de nombreux auteurs anciens, furent à nouveau expérimentées avec succès, et l'instrument fit son apparition à grande échelle dans les classes dès la fin de la guerre.
Il fallut cependant attendre de nombreuses années pour qu'il soit enseigné comme instrument professionnel dans les conservatoires, mais l'exemple d'Edgard Hunt, de Frans Brüggen (classe d'Amsterdam ouverte en 1970) et de bien d'autres a permis de se rendre compte du réel potentiel de cet instrument.
Le Jeu ...
Technique d'articulation : La principale caractéristique de l'instrument est l'expressivité liée à une technique très variée et subtile de l'articulation. La faible pression de la colonne (malgré un débit important) fait que la moindre différence dans la prononciation des syllabes articulatoires est immédiatement perceptible. C'est une force, mais aussi une très grande difficulté car cela demande beaucoup de maîtrise. Les syllabes utilisées (déjà décrites dans les traités italiens du XVIe siècle) sont T, D, L, K, G. Comme la technique d'archet d'un violoniste, le flûtiste doit savoir non seulement maîtriser la qualité de l'émission mais aussi la succession des consonnes pour mettre en relief le rythme ou la particularité mélodique d'une phrase musicale. Ces articulations, présentes chez d'autres instruments jusqu'au début du XVIIIe siècle, sont tombées en désuétude à cette époque où l'on jugeait, notamment pour la flûte traversière, qu'elles gênaient la pureté d'émission du son.
Technique digitale : La manipulation de l'instrument demande une bonne coordination. Si la technique ne demande pas de force ou de masse musculaire spécialement entraînée pour l'effort, il n'en demeure pas moins que la variété et la complexité de certains enchaînements (doigtés à fourche nombreux) rendent cet instrument assez difficile pour un vocabulaire musical moderne. Ne possédant pas la "facilité" des systèmes de clés qui permettent l'ouverture et la fermeture simultanée de plusieurs trous par l'action d'une simple clé, sa manipulation peut rapidement devenir complexe.
Technique de souffle : Une des difficultés majeures est aussi de réussir à contourner l'apparente rigidité de son intonation. En effet, l'intonation est directement liée à la force du vent envoyé dans l'embouchure (pression faible = sons bas, pression forte = sons hauts). Par la seule force du vent, on peut obtenir plus d'un demi-ton de variation pour un même doigté. Maîtriser cet aspect technique demande donc beaucoup de savoir faire et de subtilité pour obtenir l'intonation adéquate et la qualité de timbre désirée. Le flûtiste arrive à ses fins par le contrôle de son souffle, l'utilisation de doigtés de substitution, le couvrement ou le découvrement partiel de trous de jeu et la forme des lèvres parfois alliée à divers degrés de fermeture de la gorge. L'ensemble ne peut s'acquérir que par un travail technique approfondi, et grâce à une oreille vigilante et infaillible.
Valeur pédagogique...
Peu après son introduction au début du XXe siècle, on redécouvre la grande valeur pédagogique de cet instrument pour initier à la musique. Cela ne veut pas dire que la flûte à bec est pour autant un instrument facile à maîtriser : comme tout instrument à vent, il faut du temps pour acquérir une belle sonorité et une certaine fluidité de jeu. Mais en tant qu'instrument facilement portable, il trouve rapidement sa place dans les mouvements populaires des jeunesses allemandes, et par ce biais dans la pédagogie. Parallèlement, des firmes comme Moeck ou Adler-Heinrich lancent une production industrielle massive de flûtes à bec, et en font un instrument bon marché et omniprésent. Après la Seconde Guerre mondiale, il est systématiquement utilisé, que ce soit à l'école, où il est enseigné à des classes entières, ou dans les écoles de musique et autre conservatoires locaux de plus en plus nombreux, où la flûte à bec s'impose comme l'instrument d'initiation à la musique.
Caractéristique de cette évolution, l'éveil musical et le premier cours de flûte à bec sont souvent dirigés par le même professeur. Cela n'a pas que des conséquences positives pour la flûte à bec, souvent considérée comme un "pipeau" bas de gamme, à peine un instrument, une dévalorisation qu'elle partage entre-temps avec d'autres instruments également utilisés en éveil musical, ce qui tempère ce jugement. On enseigne la flute à l'école(CM1, CM2), collège(6ème à la 3ème) dans les cours de musique. Les principes du jeu de la flûte à bec, en particulier de la flûte à bec soprano, peuvent être acquis par les écoliers dès le primaire.
Les premiers succès dans la maîtrise de l'instrument viennent en général rapidement : sortir une note de l'instrument et acquérir quelques doigtés basiques est très accessible. Passé ces premiers succès, il s'avère cependant difficile d'obtenir un son ni trop faible ni trop fort, harmonieux et soutenu, et les techniques de souffles et de doigté à un stade même légèrement avancé deviennent réellement complexes. Il faut apprendre parallèlement deux doigtés (ceux de la soprano et de l'alto) et suivant le style de musique, trouver le ton juste requiert une technique de souffle particulière.
Une fois les premiers succès engrangés, les enseignants de flûte à bec ont donc un réel défi à relever pour élever leurs élèves aux exigences du répertoire de la flûte à bec du Moyen Âge à nos jours.
Exemple de doigtés "baroques" pour la première octave d'une flûte à bec en Ut :
do : tous les doigts
ré : tous les doigts sauf l'auriculaire droit
mi : auriculaire et annulaire levés
fa : tous les doigts sauf le majeur droit
sol : il n'y a que la main gauche qui bouche les trous (du haut)
la : pouce et trous bouchés par l'index et le majeur gauche
si : pouce et trou bouché par l'index gauche
do : pouce et majeur gauche seulement
Facture
Les matériaux ...
Si l'on excepte quelques instruments rares et précieux en ivoire (Hotteterre, Oberlinger), corne de narval (Rosenborg), écaille de tortue ou plaqués de métal, les flûtes à bec sont généralement fabriquées en bois. Au Moyen Age et à la Renaissance on utilisait plus volontiers les essences d'arbres fruitiers ainsi que le montrent les exemplaires survivants. A l'époque baroque on préféra le buis européen (Buxus sempervirens), un bois précieux car poussant lentement, mais dont les qualités de grain et la résistance permettent un travail plus fin. De nos jours, en raison de sa rareté, il est souvent remplacé par des essences exotiques non apparentées mais présentant des caractéristiques similaires — et pour cette raison abusivement appelées « buis » également —, telles que le (« buis ») castello (Calycophyllum multiflorum).
D'autres essences sont actuellement employées (érable, le plus courant dans la facture semi-industrielle ; poirier, palissandre, grenadille - à ne pas confondre avec l'ébène -, ébène, olivier, prunier, bois de rose). Leur densité, inégale, donne à l'instrument ses caractéristiques propres. On en trouve également en plastique moulé (résine ABS), de qualité inférieure puisqu'il s'agit d'instruments d'initiation, mais certains facteurs professionnels ont expérimenté le tournage du plexiglas (Twaalfhoven) ou de l'ivoirine (un polymère dont l'aspect se rapproche de l'ivoire). Elles sont généralement en plastique.
Facteurs historiques de flûte à bec...
Comme les fabricants de violon à leur époque, certains fabricants de flûte à bec jouissaient aux XVIIe et XVIIIe siècles d'un certain prestige. Ci-dessous une courte liste de membres de cette profession ayant influé sur l'histoire de la flûte à bec :
Johann Maria Anciuti (vers 1720)
Pierre Jaillard dit "Bressan" (1663 - 1730)
Jacob Denner (1681 - 1735)
Johann Christoph Denner (1655 - 1707)
Johann Heinrich Eichentopff (1687 - 1769
Richard Haka (autour de 1646 - 1705)
La dynastie des Hotteterre (Jean, Nicolas, notamment) (actifs entre ca 1670 et 1730)
Hieronymus F. Kynseker (1636 - 1686)
Claude Rafi (autour de 1550)
Jean-Hyacinthe Rottenburgh (1672 - 1756)
Thomas Stanesby jr. (1692 - 1754)
Thomas Stanesby sr. (1668 - 1734)
Jan Steenbergen (1675 - 1728)
Engelbert Terton (1676 - 1752)
Barocke Flötenmusik ...'Ground' B-Dur aus 'The division violin'
Die Blockflöte
Blockflöte
Die Blockflöte ist eine Längsflöte, die zur Gruppe der Holzblasinstrumente gehört. Zur Tonerzeugung enthält ihr Kopf einen hölzernen Block, der nur eine enge Spalte (Kernspalt) frei lässt. Da ihr Mundstück beim Spielen in den Mund genommen wird, zählt sie zu den Schnabelflöten.
Die Blockflötenfamilie...
In Europa etablierte sich die Blockflöte seit der Renaissance als ganze Instrumentenfamilie durch alle Tonlagen hindurch (es ist immer der tiefste spielbare Ton angegeben). Folgende Instrumente wurden gebaut:
Renaissance und Frühbarock ...
Garkleinblockflöte in c3
Sopraninoblockflöte in g2 und f2 (ital. auch flautino)
Sopranblockflöte in d2 und c2
Altblockflöte in g1
Altblockflöte in f1
Tenorblockflöte in c1
Bassblockflöte in g0 (auch Basset genannt)
Bassblockflöte in f0 (auch Basset genannt)
Großbassblockflöte in B und c0 (auch Bass genannt)
Kontrabassblockflöte in F
Hoch- und Spätbarock
Sopraninoblockflöte in f2 (ital. auch flautino)
Sixth-Flute (Sopranblockflöte in d2)
Sopranblockflöte in c2 (auch Fifth-Flute genannt)
Fourth-Flute (Sopranblockflöte in b2)
Altblockflöte in g1
Altblockflöte in f1
Voice-Flute in d1
Tenorblockflöte in c1
Bassblockflöte in f0
20. Jahrhundert ...
Neben den Kopien nach Historischen Vorbildern der oben genannten Größen kommen noch folgende Größen hinzu.
Subgroßbassblockflöte in C
Subkontrabassblockflöte in F1
Die Bezeichnungen werden nicht ganz einheitlich verwendet. So wird manchmal die Bassflöte in f als Bassett und erst diejenige in c als Bass bezeichnet. Vor allem im Bereich der Flöten unterhalb des Großbasses gibt es unterschiedliche Bezeichnungen; obige Namen orientieren sich an der Firma Paetzold. Die Kontrabassblockflöte wird auch als Subbassblockflöte bezeichnet, die beiden tiefsten Blockflöten auch als Subkontrabass (sic) und Subsubkontrabass (z. B. bei Dolmetsch). Bisweilen findet sich der Ausdruck Chorflöte für die Sopranblockflöte. Der Tonumfang der einzelnen Blockflöten beträgt jeweils etwa zwei Oktaven. Moderne, neu entwickelte Modelle, so genannte harmonische Blockflöten, erreichen einen Tonumfang von etwas mehr als drei Oktaven. Heute gängig sind vor allem Sopranino- bis Bassblockflöte. Daneben werden für spezielle Anforderungen Blockflöten für praktisch jede andere Lage gebaut.
Bezeichnungen, Tonhöhenlagen und Notation ...
Die oben genannten Bezeichnungen der Blockflöten entsprechen den jeweils eine Oktave tieferen Stimmbereichen der sonstigen Musik. Die Lage der Tenorblockflöte (Tonumfang c1 bis d3) ist die normale Sopranlage, ähnlich der Sopran-Singstimme, Querflöte, Oboe oder Violine; die Bassblockflöte (f0 bis g2) erklingt in der Altlage, entsprechend Alt-Singstimme, Englischhorn oder Bratsche. Die Sopranblockflöte entspricht der Piccolo-Querflöte.
Die heute übliche Notation erfolgt dementsprechend
für Sopran- und Sopraninoblockflöte im Violinschlüssel, aber der Ton erklingt eine Oktave höher,
für Alt- und Tenorblockflöte im Violinschlüssel in wirklicher Tonhöhe,
für Bass- und Großbassblockflöte im Bassschlüssel, der Ton erklingt eine Oktave höher,
für Subbassblockflöte im Bassschlüssel in wirklicher Tonhöhe.
Die Notation um 1600 benutzte für das chorische Flötenspiel den Diskant-, Alt-, Tenor- und Bassschlüssel. In den barocken Handschriften wurde bei der Altflöte auch der Französische Violinschlüssel notiert.
Der Blockflötenklang ist im Vergleich zu fast allen anderen Musikinstrumenten sehr grundtönig. Durch die wenig ausgeprägten Obertöne wird er als weniger hoch empfunden als etwa der von einer Violine gespielte gleich hohe Ton. Dies ist möglicherweise die Erklärung für die traditionellen Bezeichnungen.
Aufbau und Funktionsweise
Aufbau ...
Blockflöten sind in der Regel dreiteilig und bestehen aus Kopfstück, Mittelstück und Fußstück. Die kleineren Blockflöten ab Sopran-Blockflöte können auch zweiteilig sein, wobei gewissermaßen das Mittel- und Fußstück in einem Stück gefertigt sind. Die einzelnen Teile werden über Zapfen leicht drehend zusammengesteckt (im Bild nicht sichtbar). Die Zapfen sind als Dichtung mit einem gewachsten Faden umwickelt oder mit einem Korkring versehen. Die Bassblockflöte kann, wie alle noch größeren Blockflöten zwangsläufig, über eine spezielle Anblasvorrichtung, den S-Bogen, verfügen.
Alle drei Teile einer Blockflöte bilden zusammengesteckt eine Röhre, deren Bohrung vom Kopf- zum Fußstück je nach Instrumententypus zylindrisch oder umgekehrt konisch (also verjüngend) verläuft. Am unteren Ende (Fußstück) ist diese Röhre offen, am oberen Ende wird sie im Kopfstück durch einen Kern oder Block verschlossen, der einen Windkanal (Kernspalte) bildet. Der Windkanal wird bei einfachen Schulblockflöten weit und rechteckig gestaltet. Bei Solistenflöten ist er meist gebogen und enger gefertigt. Das Kopfstück ist bei den Größen bis etwa zur Tenorflöte zudem Träger des Mundstücks, auch als Schnabel bezeichnet, das an die Lippen gesetzt wird. Durch die Kernspalte über dem Block wird dem Instrument der Luftstrom zugeführt (siehe Schemazeichnung). Dieser stößt auf eine Schneidenkante, die Teil des Labiums und wesentlich für die Tonerzeugung der Blockflöte ist. Mittelstück und Fußstück sind Träger von Tonlöchern.
Große Blockflöten wie Tenor- Bass- und Großbassflöten werden auch mit abgewinkeltem Kopfstück gebaut. Durch den Knick "sitzen" die Instrumente höher am Körper des Spielers und sind dadurch auch für Kinder oder Erwachsene mit kurzen Armen ohne Anstrengung spielbar.
Blockflöten verfügen in der Regel über sieben Grifflöcher auf der Vorderseite sowie eines auf der Rückseite, welches auch als Überblasloch fungiert. Die beiden untersten Grifflöcher können als Doppellöcher ausgeführt sein, was die betreffenden Halbtöne besser spielbar macht. Bei den größeren Blockflöten werden die meisten Tonlöcher wegen ihrer großen Abstände mit Klappen geschlossen. Bei einfachen Blockflöten werden die Tonlöcher meist zylindrisch gebohrt. Bei hochwertigeren Instrumenten werden die Tonlöcher teilweise unterschnitten. Beim Unterschneiden erweitert der Flötenbauer das Tonloch nach innen. Das kann gleichmäßig, aber auch nur zum Mundstück oder zum Fuß hin geschehen. Durch das Unterschneiden wird das Intonationsverhalten sowie die Ansprache der Flöten entscheidend verbessert.
Klangentstehung ...
Der im Windkanal geformte Luftstrom (Luftblatt) gerät an der Anblaskante des Labiums in Schwingung, so dass die Luft abwechselnd ins Innere der Flöte und nach außen strömt. Die Frequenz der Schwingung und damit die Tonhöhe wird durch Resonanz mit der Luftsäule im Inneren des Instruments bestimmt. Die Klangerzeugung ist noch genauer unter Holzblasinstrumente beschrieben.
Zur Erzeugung von Tönen müssen anders als beispielsweise bei der Querflöte keine besonderen Techniken erlernt werden. Bereits durch einfaches Hineinblasen ist das Erzeugen eines Tones möglich. Allerdings ist der fortgeschrittene Blockflötist in der Lage, durch verschiedene Anblastechniken eine Vielzahl an Klangvariationen zu erreichen.
Kondenswasser im Windkanal kann die Tonerzeugung stören. Dies wird als Tröpfchenheiserkeit bezeichnet.
Bohrung ...
Die Bohrung der Renaissance-Blockflöten ist relativ weit und geht konstruktiv auf die mittelalterlichen Blockflöten zurück. Die Bohrung ist oft näherungsweise zylindrisch, etwa bei den Instrumenten von Ganassi. Eine solche Blockflöte hat einen grundtönigen Klang, der Tonumfang beträgt mehr als zwei Oktaven. Diese Instrumente sind vornehmlich für das Ensemblespiel konzipiert und verschmelzen klanglich gut miteinander, aber auch mit anderen Renaissanceinstrumenten ähnlicher Lautstärke. In der heutigen Zeit gibt es auch Blockflöten mit näherungsweise zylindrischer Bohrung, die einen kräftigen, grundtönigen Klang haben und über zwei Oktaven gut ansprechen. Der Klang dieser Instrumente ist sehr tragfähig und nimmt erst im überblasenden Bereich an Schärfe zu.
In der Barockzeit kam man darauf, die Bohrung zu verengen und sie umgekehrt konisch auszubilden. Das bedeutet: Die Bohrung verjüngt sich zum Fuß hin. Dadurch steigt die Durchströmgeschwindigkeit der Luft; außerdem erhöht sich der Luftdruck am Kopfende des Instruments, also dort, wo der Klang entsteht. Der Klang wird dadurch obertöniger und schärfer. Eine gute Barock-Blockflöte spricht über mehr als zwei Oktaven sehr gut an. Barocke Blockflötenstücke, etwa die Solopartien in den Brandenburgischen Konzerten 2 und 4 von Johann Sebastian Bach, die Solokonzerte von Antonio Vivaldi oder die Fitzwilliam-Sonatas von Georg Friedrich Händel, sind in ihrem Tonumfang entsprechend ausgelegt. Die Klangfärbung einer Blockflöte in barocker Bauweise ändert sich deutlich hörbar mit der Tonhöhe. Von den tiefen zu den hohen Tönen wird der Ton immer kräftiger und schärfer.
Besonders für die in historischer Zeit nicht belegten sehr tiefen Blockflöten (unter Großbass) werden heute auch quadratische Querschnitte verwendet, da sich die Flöten so kostengünstiger bzw. überhaupt erst herstellen lassen. Solche Flöten haben streng genommen gar keine Bohrung. Ihr Querschnitt verjüngt sich zum Fuß hin ähnlich wie bei barocken Instrumenten. Physikalisch verhält sich ein solcher quadratischer Querschnitt ähnlich wie eine entsprechende Bohrung.
Material ...
Der Block wird wegen dessen hervorragenden Eigenschaften bezüglich der Einwirkung von Feuchtigkeit fast immer aus Zeder hergestellt. Genauer: aus dem Holz der Virginia-Zeder (Juniperus virginiana), die strenggenommen gar keine Zeder ist, sondern zu den Wacholdergewächsen zählt. Der Korpus wird überwiegend aus hartem Holz gefertigt, wobei die Härte des Holzes, anders als dessen Dichte und Oberflächenbeschaffenheit, weitgehend ohne Einfluss auf den Klang der Blockflöte sein soll. Somit ist die Herkunft der für den Blockflötenbau verwendeten Hölzer historisch gesehen in der Regel zunächst in der geografischen Umgebung des Blockflötenbauers zu suchen, so dass härtere heimische Holzarten, wie beispielsweise Obsthölzer (Birne, Pflaume) oder Ahorn, der ursprüngliche Werkstoff für Blockflöten in Mitteleuropa gewesen sind.
Mit den zunehmenden überregionalen, ja interkontinentalen Handelsaktivitäten gelangten nicht-heimische Holzarten in den europäischen Blasinstrumenten- und damit Blockflötenbau, darunter der eher in Südeuropa anzufindende Buchsbaum oder tropische Hölzer, auch Edelhölzer genannt, wie beispielsweise Grenadill, Ebenholz, Palisander und Rosenholz. Mit der Rodung der tropischen Waldbestände sind diese tropischen Hölzer knapp geworden. Im 20. Jahrhundert fanden daher Holzarten wie Olive und Buche die Aufmerksamkeit der Instrumentenbauer - letztere vor allem im musikpädagogischen Bereich. Einen besonderen Fall stellt die Verwendung von Sperrholz für den Blockflötenbau dar.
Schon im 18. Jahrhundert sind Blockflöten aus alternativen Baustoffen wie dem Elfenbein bekannt, dessen große Dichte und relative Feuchtigkeitsunempfindlichkeit es für den Instrumentenbau hochgradig interessant machten. Im 20. Jahrhundert wurden Blockflöten aus ebendiesen Gründen sowie wegen dessen kostengünstigen Eigenschaften aus Kunststoffen wie Bakelit und ABS gefertigt. Heute sind Kunststoffblockflöten und Kombinationen aus Kunststoff und Holz in großem Umfang und in unterschiedlichen Qualitäten erhältlich, die einerseits preisgünstiger, andererseits pflegeleichter sind und daher z. B. in der Blockflötenfrühpädagogik häufigen Einsatz finden.
Professionelle Blockflötisten greifen der besseren Klangqualität halber eher auf handwerklich hochwertige Instrumente aus Holz zurück, sei es in Form von Nachbildungen historischer Instrumente, sei es in Form von modernen Weiterentwicklungen durch experimentierfreudige Instrumentenbauer.
Intonationssysteme ...
Bei Schulblockflöten wird in der Regel ein gleichschwebendes Intonationssystem angestrebt. Historische Blockflöten, besonders Renaissance-Instrumente, werden auch in mitteltöniger Intonation angefertigt.
Spielweise
Haltung ...
Die Blockflöte, bis hin zur Tenorblockflöte, wird in einem Winkel von etwa 45° zum Körper geneigt gehalten. Sie wird mit dem Schnabel am Kopfstück leicht an die Lippen angesetzt, die diesen sanft umschließen. Die Unterlippe bildet somit einen der beiden Haltepunkte. Der andere Haltepunkt befindet sich beim hinterständig positionierten Daumen der rechten Hand. Zuweilen findet hierfür eine Daumenstütze Verwendung, die besonders größeren und damit schwergewichtigeren Instrumenten (Tenor- und Bassblockflöte) mehr Halt verleihen soll. Die großen Blockflöten, ab der Bassblockflöte, werden ähnlich dem Fagott gehalten und an einem Tragegurt befestigt oder gar direkt auf den Boden aufgestellt.
Atmung ...
Schon 1529 sieht Martin Agricola im Vibrato ein grundlegendes Stilmittel im Flötenspiel:
„Auch wiltu haben den grund und bodem So lerne pfeiffen mit zitterndem odem"
– Martin Agricola: Musica instrumentalis deudsch
Artikulation ...
Die Töne der Blockflöte werden in der Regel mit der Zunge artikuliert. In Anfängerschulen wird meist mit der Silbe dü begonnen. Silvestro Ganassi empfiehlt die Artikulationssilben le re, te re und te che. Martin Agricola empfiehlt als Hauptartikulation die Silbe de und für schnellere Noten diri sowie die Flitterzunge. Ganassi kennt auch noch den Tonansatz ohne Silbe, die lingua di testa (Kopfansatz), bei dem der Atem durch die Lippen geformt wird. Johann Joachim Quantz beschreibt in seiner Querflötenschule ebenfalls diri und tiri. Für schnelle Passagen lehrt er die Artikulation mit did'll.
Griffweise ...
Die Grifflöcher auf der Vorderseite werden - von oben nach unten - vom Zeige-, Mittel- und Ringfinger der linken Hand sowie vom Zeige-, Mittel-, Ring- und kleinen Finger der rechten Hand bedient. Das Überblasloch auf der Rückseite, das sich am oberen Ende des Mittelstücks befindet, wird vom Daumen der linken Hand bedient. Der Grundton einer Blockflöte wird durch Schließen aller Grifflöcher erzeugt. Kombinationen aus geschlossenen und geöffneten Grifflöchern ergeben die höheren Töne; diese werden als Griff bezeichnet. In Grifftabellen kann in einer Griffnotation dargestellt werden, welcher Griff zur Erzeugung eines bestimmten Tones benutzt wird. Für manche Töne sind so genannte Gabelgriffe nötig, das heißt Griffe, bei denen in der Mitte liegende Tonlöcher offen bleiben und weiter unten liegende abgedeckt werden.
Zur Erzeugung der tiefsten Halbtöne ist es nötig, das unterste oder zweitunterste Tonloch nur halb abzudecken. Viele Flöten besitzen an diesen Stellen Doppellöcher, um eine saubere halbe Abdeckung zu erleichtern. Große Blockflöten besitzen außerdem Klappen, um die weit auseinander liegenden Grifflöcher mit den Fingern alle erreichen zu können.
Für die höheren Töne ab dem dritten Ton der zweiten Oktave deckt der Daumen das Daumenloch nur teilweise ab. Damit wird erreicht, dass der Ton zum Doppelten (Oktave) oder Dreifachen (Duodezime) der Grundfrequenz kippt, ohne dass der Spieler sich beim Überblasen übermäßig anstrengen muss.
Die gängigste Griffweise für Blockflöten ist die barocke Griffweise. Der Name ist jedoch nicht wirklich passend, da diese Griffweise keineswegs mit der von historischen Blockflöten aus der Barockzeit übereinstimmt. Besser sollte von der internationalen Griffweise gesprochen werden, da sie heute als einzige außerhalb des deutschsprachigen Raumes üblich ist. Als Gegenstück zur deutschen Griffweise (siehe unten) wird diese vom englischen Wiederentdecker der Blockflöte Arnold Dolmetsch eingeführte Griffweise auch als die englische Griffweise bezeichnet. Sie hat die Eigenschaft, dass bereits für einen Ton der Grundskala, die vierte Tonstufe (also f2 und f3 auf einer c2-Sopranblockflöte), ein Gabelgriff nötig ist. Unter Blockflötenpädagogen ist strittig, ob dies das Erlernen des Instruments und das schnelle Spielen bestimmter Tonfolgen nachhaltig erschwert.
Mit dem erneuten Aufkommen der Blockflöte im 20. Jahrhundert kam man deshalb auf die Idee, die Bohrung und die Lage der Grifflöcher zu modifizieren, insbesondere die Bohrung des drittuntersten Tonloches zu verengen. So kann die Grundtonleiter ohne Gabelgriffe gespielt werden (deutsche Griffweise). Bei bestimmten Tönen geht dies jedoch zu Lasten der sauberen Intonation, sie fallen zu hoch oder zu tief aus, und Gabelgriffe bleiben für die meisten von der Grundtonleiter abweichenden Töne trotzdem notwendig.
Der Blockflöten-Virtuose und -Lehrer Hans-Martin Linde schreibt dazu: Sie [die deutsche Griffweise] entstand in den zwanziger Jahren aufgrund eines Mißverständnisses. Peter Harlan veränderte den vermeintlich unsauberen Griff für die 4. Stufe einer von ihm kopierten historischen Flöte. Nach seinem Griffsystem bildet statt eines Gabelgriffes lediglich der Zeigefinger der rechten Hand den Ton. Diese insgesamt gesehen unbedeutende Grifferleichterung der sogenannten deutschen Griffweise wird aber durch eine Qualitätsminderung erkauft: ihr Nachteil liegt im zu hohen Griff für die überblasene 4. Stufe sowie in weiteren Intonationstrübungen bei Halbtonschritten. Die deutsche Griffweise ist daher auch im deutschsprachigen Raum auf dem Rückzug und wird höchstens noch bei Instrumenten im Schulbereich verwendet.
Modifikation der Stimmtonhöhe ...
Durch Herausziehen des Mittelstücks aus dem Kopfstück, je nach Größe des Instruments um circa ein bis zwei Millimeter, lässt sich das Instrument tiefer stimmen. Dies ist jedoch nur in geringem Maße möglich, ohne dass es zu Unstimmigkeiten des Instruments in sich oder zu größeren Intonationsproblemen kommt. Die Stimmtonhöhe kann auch durch eine Variation der Anblasstärke verändert werden (stärker → höher, schwächer → tiefer). Durch Abdrehen (an der Drehbank) des oberen Zapfens kann man die gesamte Stimmung des Instruments etwas erhöhen, dieses ist ebenfalls nur in geringem Maße möglich.
Geschichte
Ursprünge ...
Flöten werden seit prähistorischen Zeiten als Musikinstrumente verwendet; Flöten, die aus dieser Zeit erhalten geblieben sind, bestehen aus hohlen Knochen und weisen bereits Tonlöcher auf. Solche Flöten, bei denen der Ton durch eine Kernspalte erzeugt wird, kommen und kamen in der ganzen Welt in unterschiedlichsten Formen vor.
Der am meisten verbreitete Flötentyp im Europa des frühen Mittelalters waren jedoch panflötenähnliche Instrumente, bei der grifflochlose Pfeifen von ansteigender Länge zusammengebunden wurden.
Die vertikal gehaltene Blockflöte, bei der das Rohr mit Grifflöchern ausgestattet war, wurde als Musikinstrument nach Europa gleichzeitig aus Afrika durch die Mauren nach Spanien, als auch durch Slawen aus Asien eingeführt. Sie war in unterschiedlichen Formen weitverbreitet. Blockflöten, die mit beiden Händen zu spielen waren, sind in Europa seit dem 11. Jahrhundert belegt. Daneben existierten Einhandflöten, zu denen mit der anderen Hand die Trommel geschlagen wurde, und Doppelflöten. Wann sich aus dieser Vielzahl von Instrumenten die heutige Blockflöte entwickelte, ist jedoch nicht genau zu datieren, da auf mittelalterlichen Darstellung nicht zweifelsfrei zu unterscheiden ist, ob eine Blockflöte, ein anderer Spaltflötentyp oder eine Schalmei abgebildet ist
Der englische Begriff recorder ist erstmals für 1388 belegt.
14. Jahrhundert ...
Bereits im 14. Jahrhundert zählte die Blockflöte zu den wichtigsten Holzblasinstrumenten. Die verwendeten Blockflötentypen waren noch zylindrisch gebohrt und bestanden nur aus einem Stück. Sie klangen dadurch mild, weich und obertonarm, worauf die Bezeichnungen Flûte douce bzw. Flauto dolce zurückzuführen sind. Sie waren durch diese Klangcharakteristika besonders geeignet, Gesang zu unterstützen. Dazu wurde auch die bereits oben angegebenen unterschiedlichen Stimmlagen von Blockflöten entwickelt. Tiefe Instrumente erreichten dabei eine Länge von über zweieinhalb Meter (eine im Museo civico in Verona befindliche Kontrabassflöte hat eine Länge von 2,85 Meter). Bei diesen sehr großen Flöten wurde das unterste Griffloch allerdings über eine Klappe bespielt.
Die Blockflöten waren alle mit sieben vorderen Grifflöchern ausgestattet; das unterste Griffloch, das sogenannte Kleinfingerloch, war jedoch doppelt vorhanden, um der uneinheitlichen Spielpraxis Rechnung zu tragen, bei der neben der heute üblichen Haltung - linke Hand über der rechten Hand - viele Musiker auch die umgekehrte Handhaltung verwendeten. Das vom Spieler nicht benötigte Kleinfingerloch wurde jeweils mit Wachs verstopft.
Mittelalterliche Blockflöten sind kaum im Original erhalten, sondern hauptsächlich durch Abbildungen, die jedoch nur die Vorderseite zeigen, bekannt.
Es gibt jedoch einzelne Funde von Blockflöten aus dem Mittelalter. So wurde 1940 bei einer Ausgrabung einer Burganlage nahe der niederländischen Stadt Dordrecht die sogenannte Dordrecht-Flöte gefunden. Sie ist im aktuellen Zustand unspielbar und vermutlich unvollständig, lässt aber interessante Rückschlüsse auf die Instrumente der damaligen Zeit zu. Erst im August 2005 wurde in Tartu (Estland) eine weitere Flöte gefunden, deren Entstehung sich auf die zweite Hälfte des 14. Jahrhunderts datieren lässt. Bei diesem Modell fehlt das Doppelloch für den kleinen Finger, die Grifflöcher sind in einer Reihe angeordnet, so dass beide Handhaltungen möglich sind.
In der heutigen Zeit gibt es Werkstätten, die sich mit der Rekonstruktion und dem Nachbau dieser Instrumente beschäftigen.
15. und 16. Jahrhundert...
In der Franko-flämischen Epoche (Renaissance) wurde die Instrumentation von den Komponisten in der Regel nicht festgelegt. Die Instrumentalensembles spielten zum einen Tanzmusik, wie sie in den Drucken von Pierre Attaignant, Pierre Phalèse und Tielmann Susato überliefert sind, zum anderen spielten sie Vokalmusik: Messen, Motetten oder Canzonen. Die Instrumente konnten Singstimmen ersetzen oder auch Singstimmen verdoppeln. Vokalmusik konnte von Consorts auch rein instrumental aufgeführt werden. Je nach Fähigkeit der Spieler wurden die Werke improvisatorisch ausgeziert.
Über den hohen Stand des Flötenspiels der Zeit geben die Lehrwerke La Fontegara la quale insegno di suonare il flauto (1535) von Silvestro Ganassi sowie die Musica instrumentalis deudsch (1529) von Martin Agricola Zeugnis. Agricola empfiehlt im Bass des Flötenkonsorts ein Krummhorn. Michael Praetorius wird dies Empfehlung 1618 durch die Instrumente Dulzian oder Posaune erweitern. Die Blockflöte war in diesem Zeitalter nicht selten. Im Nachlass des Grafen Fugger (1529 bis 1569) sind von 507 Blasinstrumenten 111 Flöten dokumentiert.
Barock ...
In der Musik des Barocks löste sich die Instrumental- von der Vokalmusik. Neben einer höheren Anforderung an die Virtuosität eines Instruments machte dies auch ein anderes Klangspektrum erforderlich. Der Klang eines Instruments hatte sich deutlicher von dem Klang des menschlichen Gesangs zu unterscheiden. Bei der Blockflöte wurde dies durch eine andere Bauweise erzielt. Der Körper der Blockflöte wurde aus drei Teilen zusammengesetzt; das Rohr wurde umgekehrt konisch gebohrt (unten enger als oben) und die Grifflöcher enger aneinander gesetzt. Seit dem 16. Jahrhundert war bei den Instrumenten darüber hinaus das Daumenloch auf der Rückseite üblich. Der Ton der Blockflöte wurde damit klarer, heller und obertonreicher.
Unüblich wurde es dagegen, das unterste der Grifflöcher, das Kleinfingerloch, doppelt anzulegen. Statt dessen war der unterste Teil der Flöte nun beweglich, so dass der Musiker diesen in eine für ihn bequeme Stellung drehen konnte. Die Komponisten des Barocks schrieben Musik für Blockflöten in unterschiedlichen Besetzungen. Dabei tritt vor allem die Altblockflöte, in geringerem Maße Sopran- und Sopraninoblockflöte, auch als Soloinstrument in Sonaten und teilweise in Konzerten hervor.
An der Schwelle von der Renaissance zum Barock verwendete Claudio Monteverdi in der Orchestrierung seiner Oper L'Orfeo neben Trompeten, Posaunen, Streich- und Saiteninstrumenten auch Blockflöten.
Ebenso im Frühbarock entstand das erste und bis heute umfangreichste Solo-Werk für Blockflöte, der „Fluyten Lust-hof" (Druckausgabe in drei Bänden ab 1648 bis 1654) des blinden Flötisten Jacob van Eyck aus Utrecht, eine sehr umfangreiche Sammlung damals beliebter Tänze, Lieder und Choräle mit jeweils einigen Variationen, so genannten „Modi", die in aufsteigender Reihenfolge immer virtuoser und verspielter werden. Jacob van Eyck verwendete vermutlich eine fast zylindrisch gebohrte, einteilige Blockflöte in c2, die also noch dem Typus der Blockflöte in der Renaissance entsprach.
Vivaldi schrieb unter anderem mindestens drei Konzerte für den „flautino", die Sopraninoblockflöte; umstritten ist, welchen Grundton (f2 oder d2) das zu verwendende Instrument hatte. Er schrieb darüber hinaus mehrere hochvirtuose Konzerte für Altblockflöte in f1 oder g1 und Streicher. Bei Johann Sebastian Bach kommen Altblockflöten in den Brandenburgischen Konzerten Nr. 2 und 4 als Soloinstrumente vor, außerdem in Kantaten und Passionsmusiken. Die Flötensonaten von J. S. Bach sind jedoch für die Traversflöte bestimmt.
In England war es unter anderem Henry Purcell, der in seiner Musik Blockflöten verwendete. Später war es dann Georg Friedrich Händel, der in seiner langen Schaffensperiode in London eine Vielzahl von Sonaten für Blockflöte und basso continuo wie „The Fitzwilliam Sonatas" schrieb, gleichsam als Nebenprodukt seines Wirkens als Komponist großer Suiten, Opern und Oratorien, denn viele der dort verwendeten Themen und Motive tauchen in dieser Kammermusik wieder auf. In England war im Barock die Blockflöte das Melodieinstrument für den Amateurmusiker. Es entstanden auch viele Transkriptionen berühmter Kompositionen für Blockflöte wie z. B. der Follia-Variationen von Arcangelo Corelli.
Weitere Komponisten der Barockzeit, von denen Musik für Blockflöte überliefert ist, sind unter anderem Jacques Hotteterre, Monsieur Naudot, die beiden gleichnamigen Vettern Jean-Baptiste Loeillet und unter den italienischen Zeitgenossen Vivaldis beispielsweise Benedetto Marcello, Giuseppe Sammartini und Francesco Mancini. Unter den deutschen Komponisten haben neben Johann Sebastian Bach der Hamburger Johann Mattheson und Georg Philipp Telemann herausragende Werke für Blockflöte hinterlassen.
Im Spätbarock koexistierte die Blockflöte lange mit der aufkommenden Traversflöte. Ein besonders eindrucksvolles Beispiel ist Telemanns Konzert in e-Moll für Blockflöte, Querflöte und Streichorchester.
Verdrängung der Blockflöte im 18. Jahrhundert
Im weiteren Verlauf des 18. Jahrhunderts wurde sie von der klanglich stärkeren und im Zusammenspiel mit den erweiterten Orchestern durchsetzungsfähigeren Querflöte verdrängt: In der Musik der Klassik und Romantik war die Blockflöte kein übliches Instrument mehr. Die schwindende Bedeutung der Blockflöte kann man auch daran festmachen, dass die Bezeichnung Flauto (Flöte) in einer Besetzungsangabe bis 1750 eindeutig eine Blockflöte bezeichnete. Sollte eine Querflöte zum Einsatz kommen, wurde dies speziell angegeben (etwa durch die Bezeichnung Flauto traverso oder einfach Traversa). Nach 1750 kehrte sich dies um. Bis heute gilt, dass in der Orchestrierung mit der Bezeichnung Flöte eine Querflöte gemeint ist. Soll eine Blockflöte verwendet werden, wird dies explizit angegeben.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war die Blockflöte als Instrument so unüblich, dass Igor Stravinsky sie für eine Art Klarinette hielt, als er die Blockflöte das erste Mal sah. Erst im 20. Jahrhundert wurde sie vor allem als Instrument der Haus- und Schulmusik wiederentdeckt.
Verwendung in der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts ...
Die Blockflöte wurde in den 1920er Jahren wiederentdeckt, als man sich um ein möglichst originalgetreues Klangbild der Renaissance- und Barockmusik bemühte. Insbesondere Arnold Dolmetsch und der Instrumentenbauer Peter Harlan trugen wesentlich dazu bei, dass man sich wieder mit diesem Instrument auseinandersetzte. In der Jugendbewegung wurde die leicht zu transportierende und relativ preiswert herzustellende Blockflöte neben der Gitarre zum beliebtesten Instrument. Neben den heute gebräuchlichen Instrumenten wurden auch Flöten in anderen Stimmungen (beispielsweise in g1 oder as1) gebaut, um sie leichter für andere Tonarten einsetzen zu können.
Wichtige moderne Komponisten wie Luciano Berio, John Tavener, Paul Hindemith, Malcolm Arnold, Michael Tippett, Benjamin Britten, Leonard Bernstein, Erhard Karkoschka, Mauricio Kagel, Kazimierz Serocki, Gordon Jacob, Bertold Hummel und Edmund Rubbra haben Musik für Blockflöten geschrieben. Die Literatur für die Blockflöte ist im 20. Jahrhundert zu einem gewaltigem Umfang angewachsen und wächst auch im 21. Jahrhundert dank zahlreicher neue Kompositionen beauftragender Interpreten kontinuierlich weiter.
Gelegentlich wird die Blockflöte auch in der Pop-Musik verwendet; so taucht sie etwa in Stücken von den Beatles, den Rolling Stones, Jimi Hendrix oder Led Zeppelin auf. Ebenso hat die Blockflöte durch Kompositionen z.B. von Pete Rose oder Paul Leenhouts Einzug in den Jazz gehalten. Blockflöten spielen darüber hinaus in der Folkmusik eine Rolle.
Das Kopfstück wird darüber hinaus auch als Lärm-, Rhythmus- und Effektinstrument sowie von Kindern als Spielzeuginstrument verwendet. Auch Vogelstimmen lassen sich mit Blockflötenköpfen imitieren.
Soziologie der Blockflöte ...
Die Blockflöte wurde seit dem Altertum wegen ihrer phallischen Symbolik vorwiegend von Männern gespielt. Die ikonographischen Quellen dokumentieren bis 1800 viele männliche Blockflötenspieler sowie Bilder mit erotischer Symbolik. Das Instrument wurde von adeligen Herren, Bürgern sowie von Berufsmusikern (Stadtpfeifer) gespielt. Im 20. Jahrhundert wurde das Instrument in weiten Bevölkerungskreisen als Instrument der ersten Musikausbildung für Kinder populär. In den Blockflötenensembles für Erwachsene überwiegen heute deutlich die weiblichen Spieler.Verwendung in der Musikpädagogik
Die Blockflöte wurde nicht lange nach ihrer Wiederbelebung Anfang des 20. Jahrhunderts als Musikinstrument für pädagogische Zwecke entdeckt. In der Jugendbewegung wurde sie zunächst als leicht transportables Musikinstrument geschätzt und fand auf diese Weise den Weg in die Hände der Musikpädagogik. Gleichzeitig begann die Entwicklung einer industriellen Massenproduktion, beispielsweise durch die Firmen Moeck in Celle und Adler-Heinrich in Markneukirchen, die die Blockflöte billig und allseits verfügbar machte.
Nach dem Zweiten Weltkrieg setzte vollends der Massengebrauch der Blockflöte für Unterrichtszwecke ein, sei es im schulischen Bereich, wo ganze Klassenverbände in deren Gebrauch unterwiesen wurden, sei es in den quantitativ zunehmenden (kommunalen) Musikschulen, in denen das Musikinstrument seine Rolle als allgemeines Einstiegsinstrument gefunden hat. Dies manifestiert sich unter anderem darin, dass heute oftmals der erste Blockflötenunterricht und die Musikalische Früherziehung von ein und der selben Person erfolgen. Nicht zuletzt aufgrund dieser Umstände hat Gerhard Braun in einem Artikel in der Zeitschrift TIBIA den Begriff des 'Klangschnullers' in Bezug auf die Blockflöte geprägt. Diese für das Image der Blockflöte ungünstige Entwicklung wird durch die Entwicklung einer frühinstrumentalen Pädagogik auch anderer Instrumente inzwischen relativiert.
Die Grundbegriffe des Spiels auf der Blockflöte – insbesondere der Sopranblockflöte – können von Kindern bereits im Vorschulalter leicht erlernt werden, so dass die Blockflöte häufig als Einstiegsinstrument eingesetzt wird. Erste Spielerfolge lassen sich sehr rasch erzielen, da weder ein komplizierter Ansatz noch eine allzu virtuose Grifftechnik erforderlich ist. Andererseits ist es gerade für sehr junge Anfänger schwierig, Finger, Zunge und Atem zu koordinieren, sowie einen schönen und gleich bleibenden Klang zu entwickeln. Und schon auf der Stufe der nur leicht Fortgeschrittenen wird die Griff- und Blastechnik recht komplex: Je nach Instrument und Musikstil muss für bestimmte Töne ein eigener Griff (und Blasdruck) gefunden werden.
So ist es für Blockflötenpädagogen oft eine besondere Herausforderung, Schülern den Weg von den ersten schnellen Erfolgen zu den Herausforderungen der Blockflötenliteratur von Mittelalter bis Gegenwart aufzuzeigen.
Flanders Recorder Quartet in Concert - Geysen On the bottle
The Recorder
Recorder
The recorder is a woodwind musical instrument of the family known as fipple flutes or internal duct flutes — whistle-like instruments which include the tin whistle and ocarina. The recorder is end-blown and the mouth of the instrument is constricted by a wooden plug, known as a block or fipple. It is distinguished from other members of the family by having holes for seven fingers (the lower one or two often doubled to facilitate the production of semitones) and one for the thumb of the uppermost hand. The bore of the recorder is tapered slightly, being widest at the mouthpiece end of it (Baroque recorders) and narrowest at the top, flared almost like a trumpet at the bottom (Renaissance instruments).
The recorder was popular from medieval times but declined in the eighteenth century in favour of orchestral woodwind instruments, such as the flute, oboe, and clarinet. During its heyday, the recorder was traditionally associated with birds, shepherds, miraculous events, funerals, marriages and amorous scenes. Images of recorders can be found in literature and artwork associated with all these. Purcell, Bach, Telemann and Vivaldi used the recorder to suggest shepherds and birds, and the pattern continued into the 20th century.
The recorder was revived in the twentieth century, partly in the pursuit of historically informed performance of early music, but also because of its suitability as a simple instrument for teaching music and its appeal to amateur players. Today, it is often thought of as a child's instrument, but there are many excellent virtuosic players who can demonstrate the instrument's full potential as a solo instrument. The sound of the recorder is remarkably clear and sweet, partly because of the lack of upper harmonics and predominance of odd harmonics in the sound.The name of the instrument
The instrument has been known, in English, as a recorder, at least since the 14th century. Grove's Dictionary reports that the earliest use of the word 'recorder' was in the household of the Earl of Derby in 1388: fistula nomine Recordour The name originates from the use of the word record, one of whose meanings is "to practise a piece of music".
Up to the 18th century, the instrument was called Flauto (flute) in Italian, the language used in writing music, whereas the instrument we today call the flute was called 'Flauto traverso'. This has led to some pieces of music occasionally being mistakenly performed on transverse flute rather than on recorder.
Today, the recorder is known as flauto dolce in Italian (sweet flute), with equivalents in other languages. In Spanish the name flauta is ambiguous, as it can mean both the flauta travesera, the flauta dulce (recorder) or other types.
How the instrument is played...
The recorder is held outwards from the player's lips (rather than to the side, like the "transverse" flute). The player's breath is compressed into a linear airstream by a channel cut into the wooden "block" or fipple (A), in the mouthpiece of the instrument, so as to travel along this channeled duct (B) called the "windway". Exiting from the windway, the breath is directed against a hard edge (C), called the "labium" or "ramp", which causes the column of air within the resonator tube to oscillate at the desired frequency, determined by the bore length or open tone hole used. The length of the air column (and the pitch of the note produced) is modified by finger holes in the front and thumb hole at the back of the instrument.
Types of recorder...
Recorders are made in a variety of sizes. They are most often tuned in C or F, meaning that their lowest note possible is a C or an F. However, instruments in D, B flat, G, and E flat were not uncommon historically and are still found today, especially the tenor recorder in D, which is called a "voice-flute." Refer to the table to see the entire recorder family in C and F.
The recorder most often used for solo music is the treble recorder (known as alto in the USA), and when the recorder is specified without further qualification, it is this size that is meant. The descant (known as the soprano in the USA) also has an important repertoire of solo music (not just school music) and there is a little for tenor and bass recorders. Classroom instructors most commonly use the descant (soprano in USA). The largest recorders, larger than the bass recorder, are less often used, since they are expensive and their sizes (the contrabass in F is about 2 meters tall) make them hard to handle. An experimental 'piccolino' has also been produced which plays a fourth above the garklein. Although it might be considered that the garklein is already too small for adult-sized fingers to play easily and that the even smaller piccolino was simply not practical, the fact that the holes for each finger are side by side and not in a linear sequence make it quite possible to play.
For recorder ensemble playing, the descant/soprano, treble/alto, tenor and bass are most common - many players can play all four sizes. Great basses and contrabasses are always welcome but are more expensive. The sopranino does not blend as well and is used primarily in recorder orchestras and for concerto playing.Although inexperienced players regard the garklein and subcontrabass sizes as too difficult, bulky, or expensive to constitute anything more than a rare curiosity, they are widely used by professional players.
The larger recorders have great enough distances between the finger holes that most people's hands can not reach them all. So, instruments larger than the alto (and sometimes alto recorders, as well) have keys to enable the player to cover the holes or to provide better tonal response. In addition, the largest recorders are so long that the player cannot simultaneously reach the finger holes with the hands and reach the mouthpiece with the lips. So, instruments larger than the bass (and some bass recorders too) may use a bocal or crook, a thin metal tube, to conduct the player's breath to the windway, or they may be constructed in sections that fold the recorder into a shape that brings the windway back into place.
Today, high-quality recorders are made from a range of hardwoods: maple, pear wood, rosewood, grenadilla, or boxwood with a block of red cedar wood.Plastic recorders are produced in large quantities. Plastics are cheaper and require less maintenance and plastic recorders are equal to or better than lower-end wooden instruments. Beginners' instruments, the sort usually found in children's ensembles, are plastic and can be purchased quite cheaply.
Most modern recorders are based on instruments from the Baroque period, although some specialist makers produce replicas of the earlier Renaissance style of instrument. These latter instruments have a wider, less tapered bore and typically possess a less reedy, more blending tone more suited to consort playing.
In the early part of the twentieth century, Peter Harlan developed a recorder which allowed for apparently simpler fingering. This is German fingering. A recorder designed for German fingering has a hole five smaller than hole four, baroque and neo-baroque recorders have hole four smaller than hole five. The immediate difference in fingering is for 'F' and 'B♭', on a neo-baroque instrument these must be fingered 0 123 4-67. With German fingering this becomes 0 123 4---. Unfortunately this causes many other chromatic notes to be too badly out of tune to be usable; and consequently they can play only a single diatonic scale German fingering became popular in Europe, especially Germany, in the 1930s, but rapidly became obsolete in the 1950s as the recorder began to be treated more seriously and the limitations of German fingering became more widely appreciated.. Many recorder makers continue to produce German fingered instruments today. German fingered instruments can be recognized looking at the fifth finger hole (just above the two double holes). In German fingered holes it is noticablely smaller than other holes.
Some newer designs of recorder are now being produced. Larger recorders built like organ pipes with square cross sections are cheaper than the normal designs if, perhaps, not so elegant.Another area is the development of instruments with a greater dynamic range and more powerful bottom notes. These modern designs make it easier to be heard when playing concerto. Finally, recorders with a downward extension of a semitone are becoming available; such instruments can play a full three octaves in tune. The tenor is especially popular, since its range becomes that of the modern flute; Frans Brüggen has publicly performed such flute works as Density 21.5 by Edgar Varèse on an extended tenor recorder.
Sheet music notation...
Sheet music for recorder is nearly always notated in 'concert key,' meaning that a written "C" in the score actually sounds as a "C." This implies that the player must learn two different sets of similar fingerings, one for the C recorders and another for the F recorders. However, many sizes of recorder do transpose at the octave. The garklein sounds two octaves above the written pitch; the sopranino and soprano sound one octave above written pitch. Alto and tenor sizes do not transpose at all, while the bass and great bass sound one octave above written (bass clef) pitch. Contrabass and subcontrabass are non-transposing while the octocontrabass sounds one octave below written pitch.
Sizes from garklein down through tenor are notated in the treble clef while the bass size and lower usually read the bass clef. Professionals can usually read C-clefs and often perform from original notation.
Alternative notations which are only occasionally used:
Bass recorder in F may be written in treble clef at real pitch, so that the low F is written a fifth below middle C with three ledger lines.
Bass recorder in F may be written in treble clef an octave above real pitch (i.e. sound an octave below written pitch), so that its fingerings are completely octave-identical to the alto in F.
Great bass recorder in C may be written in treble clef. If so, it would probably be written up an octave to match the fingering régime of the tenor in C.
Tenor recorder in C may be written in bass clef one octave below real pitch in order to read choral parts for tenor voice.
Alto recorder in F may be written down an octave to read alto vocal parts.
All recorders may be transposed by both octave and key so that the lowest note is always written as middle C below the treble clef. In this system, only the tenor is non-transposing while all other parts would transpose up or down in fourths, fifths and octaves as appropriate.
Urtext editions of baroque music may preserve the baroque practice of writing treble(alto) recorder parts in the Violin clef (G clef on the bottom line of the stave). From the player's point of view, this is equivalent to using bass(et) recorder fingerings on the treble(alto) recorder.
As a rule of thumb, recorders sound one octave above the human voice after which they are named (soprano recorder is an octave above soprano voice, alto an octave above alto voice, etc.) The recorder's mellow tone and limited harmonics allows for the seemingly deeper sound
The range of a modern recorder is usually taken to be about two octaves except in virtuoso pieces. See the table above for fingerings of notes in the nominal recorder range of 2 octaves and 1 whole tone. Notes above this range are more difficult to play, and the exact fingerings vary from instrument to instrument, so it is impractical to put them into the table here.The numbers at the top correspond to the fingers and the holes on the recorder, according to the pictures. In the table, "X" signifies a closed hole, "O" signifies an open hole, and "/" signifies a half-closed hole.
The note two octaves and one semitone above the lowest note (C# for soprano, tenor and great bass instruments; F# for sopranino, alto and bass instruments) is difficult to play on most recorders. These notes are best played by covering the end of the instrument (the "bell"); players typically use their upper leg to accomplish this. Some recorder makers added a special bell key for this note — newer recorder designs with longer bores also solve this problem and extend the range even further. The note is only occasionally found in pre-20th-century music, but it has become standard in modern music.
The lowest chromatic scale degrees — a semitone and a minor third above the lowest note — are played by covering only a part of a hole, a technique known as "half-holing." Most modern instruments are constructed with double holes or keys to facilitate the playing of these notes; such double holes are occasionally found on baroque instruments, where even the hole for the third finger of the left hand can be doubled. Other chromatic scale degrees are played by so-called "fork" fingerings, uncovering one hole and covering one or more of the ones below it. Fork fingerings have a different tonal character from the diatonic notes, giving the recorder a somewhat uneven sound. Budget tenor/bass recorders might have a single key for low C/F but not low C#/F#, making this note virtually impossible to play. Double low keys allowing both C/F and C#/F# are more or less standard today.
Most of the notes in the second octave and above are produced by partially closing the thumbhole on the back of the recorder, a technique known as "pinching". The placement of the thumb is crucial to the intonation and stability of these notes, and varies as the notes increase in pitch, making the boring of a double hole for the thumb unviable. To play the notes in the second octave, the player must tongue somewhat harder in order to excite the second and third harmonics of the instrument.
A skilled player can, with a good recorder, play chromatically over two octaves and a fifth. Use of notes in the 3rd octave is becoming more common in modern compositions; several of these notes require closure of the bell or shading of the window area (ie holding the palm of the hand above the window, partially restricting the air emerging from it). In the hands of a competent player, these upper notes are not especially loud or shrill.
The renaissance recorder had a range of two octaves and a sixth , though writers on woodwind instruments in general from that period, e.g. Praetorius, often give shorter ranges. This might reflect a distinction between skilled and unskilled players in the renaissance or the differences in instruments made in one region versus another or over time. Modern reproductions of renaissance instruments, especially those from middle of the last century, often have a range as little as one and a half octaves but more recent makers now produce reproduction renaissance instruments with the full range and Ganassi's fingerings. Consequently many publishers of recorder music refer to 'music for Ganassi recorder', or a similar phrase, when they mean recorder music with a range greater than two octaves and a tone.
Changes in dynamics are not easy to achieve on the recorder if the player is accustomed to other wind instruments. If the player blows harder to play louder, or more softly to play softer, the pitch changes and the note goes out of tune, and unlike the transverse flute, the player cannot change the position of the mouth in relation to the labium in order to compensate. Consequently pitch is controlled largely by the breath, and dynamics are controlled largely by the fingers; for example by resting the fingers lightly on the holes breath leaks around them, lifting the pitch; and the resulting instinctive change in breath pressure to bring the pitch back also drops the volume. Advanced players use alternative fingerings to enable changes in dynamics. The recorder is notable for its sensitivity to articulation; in addition to its obvious use for artistic effect skilled players can also use this sensitivity to suggest changes in volume.
History
Early recorders...
Internal duct-flutes have a long history: an example of an Iron Age specimen, made from a sheep bone, exists in Leeds City Museum.
The true recorders are distinguished from other internal duct flutes by having eight finger holes (in use - see below); seven on the front of the instrument and one, for the upper hand thumb, on the back, and having a slightly tapered bore, with its widest end at the mouthpiece. It is thought that these instruments evolved in the 14th century, but an earlier origin is a matter of some debate, based on the depiction of various whistles in medieval paintings. To this day whistles -as used in Irish folk music- have six holes. The original design of the transverse flute (and its fingering) was based on the same six holes, but it was later much altered by Theobald Böhm.
One of the earliest surviving instruments was discovered in a castle moat in Dordrecht, the Netherlands in 1940, and has been dated to the 14th century. It is largely intact, though not playable. A second more or less intact 14th century recorder was found in a latrine in northern Germany (in Göttingen): other 14th-century examples survive from Esslingen (Germany) and Tartu (Estonia). There is a fragment of a possible 14th-15th-century bone recorder in Rhodes (Greece); and there is an intact 15th-century example from Elblag (Poland).
The earliest recorders were designed to be played either right-handed (with the right hand lowermost) or left-handed (with the left hand lowermost). The holes were all in a line except for the lowest hole, for the lower hand little finger. This last hole was offset from the center line, and drilled twice, once on each side. The player would fill in the hole they didn't want to use with wax. It is this doubled hole (not to be confused with the later double holes for semitones) which accounts for the early French name flute à neuf trous In later years, the right-hand style of playing was settled on as standard and the second hole disappeared.
The Renaissance...
The recorder achieved great popularity in the 16th and 17th centuries. This development was linked to the fact that art music (as opposed to folk music) was no longer the exclusive domain of nobility and clergy. The advent of the printing press made it available to the more affluent commoners as well. The popularity of the instrument also reached the courts however. For example, at Henry VIII's death in 1547, an inventory of his possessions included 76 recorders. There are also numerous references to the instrument in contemporary literature (eg Shakespeare and Milton).
During the Renaissance musical instruments were principally used in dance music and as accompaniment for voices. There are many vocal works with non-texted lines, which possibly were written for instruments. In addition, some vocal music was easily playable with instruments, chansons, for example. Nevertheless, composers also produced more and more works exclusively for instruments, often based on dance music. (e.g. the Lachrimae Pavans by John Dowland). Often they did not specify the instruments to use although some, such as Anthony Holborne indicated that their music was suitable for the recorder. However, even when the composer specified, for instance, viols, the music could successfully be played on recorders. A taste for ensembles of like instruments developed in this era, and so arose "consorts" (groups of musicians playing the same type of instrument) and the families of instruments of various sizes. The diversity of sizes in an instrument family allowed the consort to play music with a very large pitch range. Some of the well known Renaissance composers who wrote instrumental music, or whose vocal music plays well on recorders, were:
Guillaume Dufay
Johannes Ockeghem
Josquin des Prez
Heinrich Isaac
Ludwig Senfl
Orlando di Lasso
William Byrd
John Dowland
Anthony Holborne
Polyphony was the dominant music style of the Renaissance, but composers also began to write chordal pieces. The Medieval custom of juxtaposing 2 or 3 different melodies coexisted with "imitative polyphony". Imitative polyphony uses only one melodic line, but breaks it in pieces and divides it among the different parts. One part plays the melody, then the other parts play it in their turns. The music of this epoch was characterized by complex improvised ornamentation.
Many instruments survive from this period, including an incomplete set of recorders in Nuremberg which date from the 16th century and are still partially playable. Similar to the Medieval recorders, and unlike the Baroque style recorders typically used today, Renaissance recorders have a wide, more or less cylindrical bore. They have powerful low notes (much more so than the Baroque recorders). The wide bore means that a greater quantity of air is required to play the instrument, but this makes them more responsive.Many reproduction instruments, especially from the middle of the last century, can only be played reliably over a range of an octave and a sixth; but more and more makers are producing recorders capable of the full range that Ganassi reports, and with his fingerings in tune throughout. When modern music is written for 'Ganassi recorders' it is this type of recorder which is intended.
Baroque recorders...
Several changes in the construction of recorders took place in the seventeenth century, resulting in the type of instrument generally referred to as Baroque recorders, as opposed to the earlier Renaissance recorders. These innovations allowed baroque recorders to possess a tone which was regarded as "sweeter" than that of the earlier instruments,at the expense of a reduction in volume, particularly in the lowest notes, and a slightly reduced range.
In the 18th century, rather confusingly, the instrument was normally referred to simply as Flute (Flauto) — the transverse form was separately referred to as Traverso. In the 4th Brandenburg Concerto in G major, J.S. Bach calls for two flauti d'echo.
The musicologist Thurston Dart mistakenly suggested that it was intended for flageolets at a higher pitch, and in a recording under Neville Marriner using Dart's editions it was played an octave higher than usual on sopranino recorders. An argument can be made that the instruments Bach identified as flauti d'echo were echo flutes, an example of which survives in Leipzig to this day. It consisted of two recorders in f' connected together by leather flanges: one instrument was voiced to play softly, the other loudly. Vivaldi wrote three concertos for the flautino and required the same instrument in his opera orchestra. In modern performance, the flautino was initially thought to be the piccolo. It is now generally accepted, however, that the instrument intended was some variant of the sopranino recorder.
The decline of the recorder...
The instrument went into decline after the 18th century, being used for about the last time as an otherworldly sound by Gluck in his opera Orfeo ed Euridice. Many reasons have been put forward for this decline. For example the main instrumental innovators of the time (such as the Hotteterre family) chose to concentrate their technological improvements on the flute, rather than the recorder. Also, the fixed relationship of the windway to the labium limits the range of dynamics and expression of the recorder, when compared with the transverse flute.Other possible reasons include an apparent lack of sufficient professional players; a lack of appreciation of the true nature of the recorder by composers; the high pitch of the instrument; the problems (for makers and players) of utilising the full chromatic range; and a perceived "bad reputation" of the instrument based on all these factors.
By the Romantic era, the recorder had been almost entirely superseded by the flute and clarinet. One variant of the recorder survived into the 19th Century concert halls, however: the keyed recorder known as the csakan or flute douce.
The art of recorder making never completely died, though. Berchtesgaden Fleitl continue to be made to this day by Bernhard Oeggle, whose great-grandfather Georg learned his craft from Paul Walch (ca 1862-1873), the last of three generations of the Walch family of recorder makers. Similarly, the careers of the Schlosser family of woodwind makers from the towns of Oberzwota and Zwota can be traced over five generations. Their founder was Johan Gabriel Sr who was active in the early 19th century; Rüdinger, who seems to have been the last maker, died in 2005. Henirich Oskar (1875-1947) made instruments sold by the firm of Moeck in Celle and helped to design their Tuju series of recorders.
Modern revival...
The recorder was revived around the turn of the 20th century by early music enthusiasts, but used almost exclusively for this purpose. It was considered a mainly historical instrument. Even in the early 20th century it was uncommon enough that Stravinsky thought it to be a kind of clarinet, which is not surprising since the early clarinet was, in a sense, derived from the recorder, at least in its outward appearance.
The eventual success of the recorder in the modern era is often attributed to Arnold Dolmetsch in the UK and various German scholar/performers. Whilst he was responsible for broadening interest beyond that of the early music specialist in the UK, Dolmetsch was far from being solely responsible for the recorder's revival. On the Continent his efforts were preceded by those of musicians at the Brussels Conservatoire (where Dolmetsch received his training), and by the performances of the Bogenhauser Künstlerkapelle (Bogenhausen Artists' Band) based in Germany. Over the period from 1890-1939 the Bogenhausers played music of all ages, including arrangements of classical and romantic music. Also in Germany, the work of Willibald Gurlitt, Werner Danckerts and Gustav Scheck proceeded quite independently of the Dolmetsches. Thus the revival, far from being the work of one man, was the result of several strands coming and working together.
Among the influential virtuosos who figure in the revival of the recorder as a serious concert instrument in the latter part of the twentieth century are Frans Brüggen, Roger Cotte,Hans-Martin Linde, Bernard Kranis, and David Munrow. Brüggen recorded most of the landmarks of the historical repertoire and commissioned a substantial number of new works for the recorder. Munrow's 1975 double album The Art of the Recorder remains as an important anthology of recorder music through the ages.
Carl Dolmetsch, the son of Arnold Dolmetsch, became one of the first virtuoso recorder players in the 1920s; but more importantly he began to commission recorder works from leading composers of his day, especially for performance at the Haslemere festival which his father ran. Initially as a result of this, and later as a result of the development of a Dutch school of recorder playing led by Kees Otten, the recorder was introduced to serious musicians as a virtuoso solo instrument both in Britain and in northern Europe, and consequently modern composers of great stature have written for the recorder, including Paul Hindemith, Luciano Berio, John Tavener, Michael Tippett, Benjamin Britten, Leonard Bernstein, Gordon Jacob, and Edmund Rubbra.
It is also occasionally used in popular music, including that of groups such as the Beatles,the Rolling Stones, Led Zeppelin,Jimi Hendrix and Siouxsie & The Basnhees
Some modern music calls for the recorder to produce unusual noises, rhythms and effects, by such techniques as fluttertonguing and overblowing to produce multiphonics. David Murphy's 2002 composition Bavardage is an example, as is Hans Martin Linde's Music for a Bird.
Among late 20th-century recorder ensembles, the trio Sour Cream (led by Frans Brüggen), the Flanders Recorder Quartet and the Amsterdam Loeki Stardust Quartet have programmed remarkable mixtures of historical and contemporary repertoire.
Use in schools...
In the mid 20th century, manufacturers were able to make recorders out of bakelite and (more successfully) plastics which made them cheap and quick to produce. Because of this, recorders became very popular in schools, as they are one of the cheapest instruments to buy in bulk. They are also relatively easy to play at a basic level as they are pre-tuned. It is, however, incorrect to assume that mastery is similarly easy — like other instruments, the recorder requires significant study to play at an advanced level.
The success of the recorder in schools is partly responsible for its poor reputation as a "child's instrument". Although the recorder is ready-tuned, it is very easy to warp the pitch by over or under blowing, which often results in an unpleasant sound from beginners.
Although it is usually associated with younger school children, some middle and high schools use them during music courses such as music theory.
Makers...
The evolution of the Renaissance recorder into the Baroque instrument is generally attributed to the Hotteterre family, in France. They developed the ideas of a more tapered bore, bringing the finger-holes of the lowermost hand closer together, allowing greater range, and enabling the construction of instruments in several jointed sections. The last innovation allowed more accurate shaping of each section and also offered the player minor tuning adjustments, by slightly pulling out one of the sections to lengthen the instrument.
The French innovations were taken to London by Pierre Bressan, a set of whose instruments survive in the Grosvenor Museum, Chester, as do other examples in various American, European and Japanese museums and private collections. Bressan's contemporary, Thomas Stanesby, was born in Derbyshire but became an instrument maker in London. He and his son (Thomas Stanesby junior) were the other important British-based recorder-makers of the early eighteenth century.
In continental Europe, the Denner family of Nuremberg were the most celebrated makers of this period.
Many modern recorders are based on the dimensions and construction of surviving instruments produced by Bressan, the Stanesbys or the Denner family. Well-known larger contemporary makers of recorders include Angel (South Korea), Aulos (Japan), Moeck (Germany), Dolmetsch (England), Mollenhauer (Germany), Fehr, Huber, Küng (Switzerland) and Yamaha (Japan). Smaller workshops include names such as Takeyama, Von Huene, Rohmer, Adrian Brown, Prescott, Marvin, Cranmore, Amman, Beaudin, Blezinger, Boudreau, Netsch, Coomber, Grinter, Ehlert,
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Recorder ensembles...
The recorder is a very social instrument. Many amateurs enjoy playing in large groups or in one-to-a-part chamber groups, and there is a wide variety of music for such groupings including many modern works. Groups of different sized instruments help to compensate for the limited note range of the individual instruments. Four part arrangements with a soprano, alto, tenor and bass part played on the corresponding recorders are common, although more complex arrangements with multiple parts for each instrument and parts for lower and higher instruments may also be regularly encountered.
One of the more interesting developments in recorder playing over the last 30 years has been the development of recorder orchestras. They can have 60 or more players and use up to nine sizes of instrument. In addition to arrangements, many new pieces of music, including symphonies, have been written for these ensembles. There are recorder orchestras in Germany, Holland, Japan, the United States, Canada, the UK and several other countries.